eder castillo

20 de agosto de 2008
sala de prensa / CONACULTA / Ex Teresa Arte Actual / fotografìa: Ernesto Muñiz

El artista Antonio O’Connell invade el ex templo de Santa Teresa con la obra Inoculación, pieza en la que retoma la metáfora de un virus invasor, utilizada ya en creaciones anteriores, que infecta el espacio originalmente consagrado al culto religioso con su toxina llamada consumismo, indicó el Coordinador Nacional de Artes Plásticas, Santiago Espinosa de los Monteros.

“Construida reutilizando materiales de desecho como autopartes, carritos y exhibidores de tiendas departamentales, sillones, mesas, tarimas, monitores y tableros de computadora, la monumental instalación es una crítica abierta a la voracidad mercantil de la sociedad moderna, que en su soberbia se ha alejando de la espiritualidad ponderando lo material como medio para alcanzar el bienestar”, agregó Espinosa de los Monteros

Curada por Eder Castillo la instalación se compone de dos partes, un altar y un corazón con ramificaciones que circulan y contagian los distintos rincones del inmueble. La estructura de la pieza permite al público transitar por el interior y, desde sus entrañas, redescubrir este espacio construido en el siglo XVII bajo nuestras perspectivas y experiencias estéticas.

Así el espacio que desde 1684 fue utilizado para el culto católico, ahora se propone como el recinto para la adoración de los objetos de consumo. La instalación mide en sus partes más altas hasta ocho metros y de largo veinte metros, convirtiendo al templo en un espacio ideal para Inoculación.

O´Connell, arquitecto de profesión, estudió una maestría en artes visuales, disciplina a la que se dedica de tiempo completo desde 2005, ha realizado intervenciones que evidencian los asentamientos irregulares que irrumpen de manera violenta en la planeación estructural de las ciudades, mostrando la realidad social.

“El consumo de todo tipo de productos, servicios y recursos naturales que para algunos ha significado mejor calidad de vida también ha agudizado la desigualdad social y nos ha puesto en un futuro incierto a nivel medioambiental que amenaza con destruir los recursos naturales de nuestro planeta”, afirma O´Connell.

La muestra Inoculación estará abierta al público en el Ex Teresa Arte Actual de lunes a domingo de 10:00 a 18:00 horas, hasta el 2 de noviembre de 2008, se recomienda al público visitante, traer zapatos y ropa cómoda para poder subir y transitar dentro de esta monumental instalación.

*** Abierta de lunes a domingo de 10:00 a 18:00 horas, hasta el 2 de noviembre. Se recomienda al público traer zapatos y ropa cómoda para poder subir y transitar dentro de esta monumental instalación

Domingo 17 de Agosto de 2008
Notimex / Cronica / Cultura

En un ejercicio reflexivo sobre el consumo desmedido de las grandes ciudades, Antonio O’Connell inauguró su exposición Inoculación, instalación compuesta por tres monumentales y abstractas piezas creadas a partir de materiales de desecho y en proceso de degradación.
Abierta al público de forma gratuita en el Ex Teresa Arte Actual hasta el 2 de noviembre próximo, bajo la curaduría de Eder Castillo, la obra plástica refleja el entorno del hombre actual alterado por los excesos de la modernidad, donde la arquitectura parece ocultar y disfrazar la infección social detrás de un supuesto ideal de progreso.
Materiales con estrecho apego al proceso de construcción como la cimbra y la tarima, así como sillas de plástico, carritos de supermercado, lockers personales, piezas chatarra de autos viejos y teclados de computadora rodeados de partes de ordenadores obsoletos, entre otros, dan vida a cada una de las obras.
Caracterizado por realizar intervenciones directas a espacios arquitectónicos y públicos que proponen a la urbe como un organismo en constante mutación, O’Connell invita al espectador a la interpretación, tocar las estructuras, respirar el peculiar olor que emanan naturalmente los viejos objetos.
Así como a observar desde todos los puntos posibles, iluminados por la luz tenue y discreta de pequeños reflectores, y con la ayuda de pequeñas escaleras de madera que llevan a transitar hasta llegar al punto más alto de algunas de las obras, por los rincones de lo que podría ser considerado una nueva propuesta del arte actual.
Un trío de piezas que reflejan los restos del consumo masivo de bienes y la adoración a lo material, características aparentes del hombre post-industrial

Antonio O´Connell (Ciudad de México, 1974) arquitecto y maestro en artes visuales. Su trabajo artístico se ha caracterizado por la intervención directa a espacios arquitectónicos y públicos, que proponen a la urbe como un organismo en constante mutación. En Inoculación, O´Connell plantea la gestación de un virus, escultura habitable, que integra dentro del espacio de Ex Teresa Arte Actual los restos del consumo masivo y la adoración a lo material.

Ex Teresa Arte Actual agradece a :
Canal 22 , UDC, El País y Balance (iluminación)




Ex Teresa Arte Actual
Licenciado Verdad 8 Centro Histórico
A un costado de Palacio Nacional
por Moneda, Metro Zócalo
Abieto de lunes a domingo
de 10:00 a 18:00 horas
Entrada Gratuita
5522 2721 y 5522 9093
xteresa_arteactual@yahoo.com.mx
http://www.exteresaarteactual.blogspot.com/

INOCULACION

Antonio O´Connell (Ciudad de México, 1974) es arquitecto y maestro en artes visuales. Su trabajo artístico se ha caracterizado por la intervención directa a espacios arquitectónicos y públicos, que proponen a la urbe como un organismo en constante mutación.
En los últimos años ha desarrollado una serie de proyectos en donde la sustancia de sus monumentales intervenciones se compone por madera y otros materiales, tanto de desecho como otros en proceso de degradación, la gran parte de ellos con estrecho apego a la construcción como la cimbra y la tarima que funcionan como cascarones de incubación. Estas complejas estructuras arquitectónicas son articuladas como un organismo o virus, que infecta en el espacio interior y exterior de la estructura huésped una compleja forma orgánica que nos da la impresión de estar viva; de estas células o edificaciones se proyectan intervenciones que conforman una reflexión personal del artista entorno a la gran urbe, en el consumo desmedido de las grandes ciudades donde este mismo entorno se ve alterado por los excesos de modernidad (grandes edificios, grandes anuncios, grandes progresos, grandes contrastes) donde la arquitectura parece ocultar o maquillar la infección social detrás de nuestros ideales de progreso.
En Inoculación, O´connell plantea la gestación del virus, ahora, como una infección del alma, donde los objetos acumulados se presentan como falsos ídolos y el hombre se sitúa a la altura de Dios; una escultura habitable u organismo huésped que integra al espacio de Ex Teresa Arte Actual los restos del consumo masivo de bienes y la adoración a lo material.
Un altar y su centro de inoculación, Una estructura compleja conformada por dos cuerpos que se desprenden a lo largo del ex convento como parte de este ejercicio reflexivo dentro del espacio arquitectónico y sacro del museo; ahora, una yuxtaposición entre el vacio inoculado del museo, el espacio de contención del arte, y el antiguo templo, el espacio de contención espiritual.

"Pues habiendo conocido a Dios, no le glorificaron como a Dios,
ni le dieron gracias, sino que se envanecieron en sus razonamientos,
y su necio corazón fue entenebrecido. Profesando ser sabios, se hicieron necios"
Romanos 1:21-22


Eder Castillo



Inoculation
Antonio O´Connell

Antonio O´Connell (Mexico City, 1974) is an architect and holds a Visual Arts Master’s Degree. His artistic works has been known by the direct intervention of public architectonic spaces that propose the big city as a constant mutating organism.
In recent years, he has been developing projects where the substance of his monumental interventions is composed by wood and other materials, such as junk or other organic things in a degradation process, that work as an enormus incubation space. These complex architectonic structures arquitectónicas are articulated and an organism or a virus that infects the interior and exterior host structure, a complex organism form that gives us the impression of being alive; from these cells or buildings, interventions are projected and conform a personal reflection by the artist around the big city environment, in the unmeasured consumism, these big cities where this same environment is altered by the modernity excesses (big cities, big advertising boards, great progress, great contrasts) where the architecture seems to hide the social infection behind our progress ideals.
In Inoculation, O´Connell brings us a virus “birth”, now, as a soul infection, where all those collected objects are presented as phony idols and Man is held at God’s height; a livealy sculpture or host organism that integrates Ex Teresa Arte Actual massive consumism remains of assorted goods and the worships of materials.
An altar and its inoculation centre, a complex structure comformed by two detaching bodies all the former convent long as part of this reflexive exercise inside an architectonic and sacred museum space; now, a juxtaposition between the inoculated museum space, the art containing space, the ancient temple and the spiritual contention space.

"Having known God, they didn’t glorified Him as such,
they didn’t even thanked Him, they made their reasons vain,
and their stubborn heart was darkened. Preaching about being wise, they became stubborn"
Romans 1:21-22

Dora Luz Haw
Agencia Reforma

fotografia: Ernesto Muñiz

MÉXICO, DF , 13-Ago .- Impacta y sobrecoge. Enfrentarse a un organismo de más de 8 metros de altura construido con sillas, teclados de computadora, autopartes, cimbra y carritos de supermercado, puede ser una experiencia divertida, artística o espiritual.

Esta pieza monumental y compleja se extiende al interior de un templo teresiano, símbolo de la espiritualidad, como un virus implacable que contamina desde su nave principal hasta sus capillas, oficinas, e incluso sus baños.

Inoculación es el nombre de la obra construida ex profeso para Ex Teresa Arte Actual, con la que el artista Antonio O'Connell hace una metáfora sobre el consumo, al considerarlo una especie de infección del alma que agota la espiritualidad de los hombres y los conduce a su autodestrucción.

Tras concebir esta creación durante un año, disciplinadamente dedicó un mes completo, con apoyo de 10 personas, a construir esta instalación que, como describe el curador Eder Castillo, es una sola pieza dividida en dos: un altar principal y un corazón inoculado que se ubica al centro del templo y se extiende por sus diversas áreas.

"¿Cómo podemos detener ese consumo desmedido que se convierte en un daño irreversible al medio ambiente? Es muy difícil porque nacemos dentro de un sistema en el que desde pequeños somos inoculados para vivir de esta forma", señala.

Invitado por Carlos Jaurena, director de Ex Teresa, O'Connell inoculó este templo de origen cristiano caracterizado por la austeridad del ex monasterio de la orden de las Carmelitas Descalzas, y colocó en su centro una instalación "maximalista", caótica y apocalíptica, que representa un corazón.

"En la Biblia el corazón hace referencia a él como el órgano en el que sentimos y donde está el ser. Los visitantes pueden escalarlo. Es como si ascendieran a un baldaquino, para quien llegue a la cima sienta esa autoridad. Sin embargo, su gran dimensión permite reconocer lo pequeño que somos", dice.

También se puede ascender al ático del retablo construido por O'Connell y sentarse al centro en una silla hecha con envases de Coca-Cola y rodeada de piezas de computadoras, para convertirse, por un momento, en Dios.

"Apartarnos de Dios, ignorarlo como autoridad, nos ha hecho soberbios. Esta pieza, que es sumamente autobiográfica, es un llamado a reflexionar sobre dónde ha quedado Dios en nuestras vidas", insiste.

El artista se basa en la teoría de la inoculación, propuesta del psicólogo social William J. McGuire, que dice que cuando una persona se enfrenta a un material debilitado que amenaza sus ideas o actitudes, en realidad las fortalece.

Hace una analogía con las vacunas. Piensa que es como introducir una pequeña porción del virus para generar anticuerpos a fin de que cuando el ser sea atacado por el virus, se active el sistema inmunológico.

O'Connell piensa que la publicidad induce o educa a la gente a vivir de cierta forma e inserta a las personas en una carrera por alcanzar un estatus social a través de las posesiones materiales.

"Con esta pieza quiero reflexionar sobre cómo nos hemos alejado de lo espiritual para enraizarnos en lo material. El triunfo de la razón en la modernidad hizo que matáramos a Dios y nos hemos creado nuestros propios Dioses, como son los deportistas, artistas, políticos. Somos nuestros ídolos", señala.

Usar materiales de reciclaje no resulta nuevo en el arte contemporáneo, sin embargo, el creador retomó no sólo elementos de consumo, sino sus contenedores, como son los carros de supermercado o las tarimas.

Estas piezas, que se unieron a través de clavos, tornillos y soldadura, con base en una estructura de acero y madera, fueron obtenidas en diversos depósitos en Iztapalapa y Nezahualcóyotl, así como en bodegas del Instituto Nacional de Bellas Artes.

Aunque generalmente crea sus obras con base en bocetos y maquetas, en este caso la complejidad del sitio y la oferta de materiales lo obligaron a realizar una especie de "arquitectura emocional", donde el trazo lo hizo en el espacio

México, 8 Agosto (Notimex).- La muestra "Inoculación", de Antonio O`Connell, que propone la invasión de un virus dentro del espacio arquitectónico de Ex Teresa Arte Actual, mediante una gran estructura que recorre el altar de la nave principal, la capilla de las ánimas y circula por las oficinas y vestíbulos, será inaugurada el 15 de este mes.

La instalación monumental alude al consumo masivo con la utilización de materiales, como autopartes, carritos de supermercado, sillones, mesas, exhibidores de tiendas departamentales, tarimas, monitores y tableros de computadoras, entre otros materiales.

El joven artista propone la pieza como la metáfora de un virus, cuya única función es sobrevivir dentro de otro cuerpo, casi siempre para hacerle daño.

La instalación que mide en sus partes más altas hasta ocho metros y de largo 20 metros, se compone de un altar y un corazón que tiene un cuerpo o extensiones que circulan por los espacios del museo.

El público podrá subir en algunas secciones e incluso transitar dentro de la pieza. "Los visitantes encontrarán una perspectiva diferente del espacio arquitectónico del extemplo y desde las alturas una experiencia estética y espiritual" apuntó Eder Castillo, curador de la muestra.

La realización ex profeso de esta pieza permitió a O'Connell utilizar la construcción arquitectónica, un templo del siglo XVII como contenedor ideal para "Inoculación".

Así, el espacio, que desde 1684 fue utilizado para el culto católico, ahora se propone como el recinto, para la adoración de los objetos de consumo, en una sociedad que ha sustituido lo espiritual por lo material, como vía para alcanzar la felicidad.

O`Connell, arquitecto de profesión, estudió una maestría en artes visuales, disciplina a la que se dicada de tiempo completo desde 2005, ha realizado intervenciones que evidencian los asentamientos irregulares que irrumpen de manera violenta en la planeación estructural de las ciudades, mostrando la realidad social.

En su trabajo artístico ha utilizado materiales que muchos considerarían deleznables, material reciclado como madera, lonas, metal. Por primera vez, O`Connell utiliza objetos utilitarios. (sillas, mesas, carritos de supermercado, exhibidores de ropa, etc.)

La sólida estructura se trabajó durante un mes y medio por seis trabajadores incluyendo al artista, que clavaron y soldaron firmemente cada una de los objetos que componen la pieza, creando una sensación de movimiento.

Es inevitable tener la sensación de que este virus se está expandiendo y creciendo de una forma incontrolable. Gracias al acomodo de sus partes, este organismo parece vivo.

"El consumo de todo tipo de productos, servicios y recursos naturales que para algunos ha significado mejor calidad de vida, también ha agudizado la desigualdad social y nos ha puesto en un futuro incierto a nivel medioambiental que amenaza con destruir los recursos naturales de nuestro planeta", afirmó O`Connell

La muestra estará abierta al público de lunes a domingo hasta el 2 de noviembre del 2008; se recomienda al público visitante, llevar r zapatos y ropa cómoda para poder subir y transitar dentro de esta monumental instalación.

O`Connell nació en 1974. Es arquitecto por La Universidad Marista 1999 y Maestro en Artes Visuales, por la Academia de San Carlos UNAM 2003

el economista / Juan Manuel Badillo
http://laplaza.economista.com.mx/plaza2005.nsf/(all)/883B60F871543CCA8625742F000155F6?OpenDocument

Estacionarte, con sus cuatro contenedores de barco cargados de arte contemporáneo y una caravana de 50 artistas, llegará al Centro Cultural Universitario de Tlatelolco (CCUT).
Desde hace dos años un camión cargado de arte contemporáneo viaja por la ciudad de México, el proyecto se llama Estacionarte y es una especie de caravana de artistas.
La idea, dijo Sergio Nates, artista y el organizador del proyecto, "es sacar el arte a las calles".
"La gente está ávida de ver arte, si no ¿por qué se forma hasta seis horas para ver el Museo Nómada de Gregory Colbert (en el Zócalo)?", dijo el artista.
Además, agregó Nates, "mientras más espacios tenga el artista mejor, es más sano".
Este año Estacionarte, que se realiza del 23 al 27 de abril, está dedicada a las "apropiaciones urbanas".
Los cuatro contenedores de arte contemporáneo y los 50 artistas que participan en el proyecto (el doble que el año pasado) se instalarán en la explanada del centro cultural de la Universidad Nacional Autónoma de México y dos pisos del edificio que alguna vez fue de la Secretaría de Relaciones Exteriores.
Estacionarte es un proyecto independiente, organizado a través de la fundación civil Arte Itinerante AC, y patrocinado, principalmente, por Fundación Jumex, de Eugenio López, dueños de la más importante colección de arte contemporáneo en México.
Este año Estacionarse cuenta con una intervención sonora de Sergio Ibáñez, Eduardo Meléndez y Juan Pablo Avendaño, el performance del Ensamble Rosas-Govaerts, y una larga lista de artistas como Antonia Fritche, Blanca Dorantes, Carlos de la O, Chris Gillespie, Daniel Lara, Daniel Laskarin, el colectivo LAA Curaduría de Pausa, entre otros.
Se exhibirá video, instalación sonora, performance, entre otras obras y formatos.
En los pisos 19 y 20 del Centro Cultural Universitario de Tlatelolco, el día 24 de abril a las 7 de la tarde, se llevará a cabo la mesa redonda Apropiaciones urbanas, con la participación de los artistas Eder Castillo, Arturo Ortiz, Peter Krieger, Lauro López y José Luis Barrios.
Estacionarte integrará el Memorial el 68, que se exhibe en el CCUT desde principios del año, como parte de sus actividades.
Estacionarte "no tiene fines de lucro, nadie gana nada". Pero aclaró: "si el artista vende algo es por su cuenta, está bien que los artistas se auto represente".
Sergio Nates sueña con un arte que sea libre, que salga de los museos, de las galerías y de los mercados de arte, como Méxio Arte Contemporáneo (MACO).
El artista aspira a que el arte pueda ser visto por la gente que no va a los museos.
Nates sueña también con poder viajar "a dos o tres lugares al interior del país", y que en el futuro, no muy lejano, cuenten con el suficiente apoyo "y que no estemos preocupados por saber si lo vamos a poder hacer el año siguiente o no", dijo.
jbadillo@eleconomista.com.mx

(apro).- http://www.proceso.com.mx/columna.html?col=7&nta=58337&ncol=Artes+Visuales+Hoy

El Centro Cultural Ex Teresa Arte Actual ubicado en el corazón del Centro Histórico, sigue presentando desde hace ya varios años propuestas de arte alternativo, performance, instalaciones, videoarte, entre otras. Actualmente presenta el proyecto “Se permuta”, en el cual se exhibirán más de 130 videos de artistas de América Latina, Canadá, Estados Unidos, Europa y Asia.

La curaduría estuvo a cargo de Eder Castillo, en colaboración con Fernanda Mejía, Rene Hayashi y Miguel Rodríguez Sepúlveda.

La exhibición de estos videos se presenta a través de diferentes plataformas, que pueden ser desde un puesto ambulante, en el metro, dentro de un cohete simulador, en alguna ventana de un edificio del Centro Histórico, a través de la web por medio de YouTube, etcétera.

Son varias las iniciativas que conforman este proyecto “KO Video Festival”, que se presentó en Sudáfrica 2005, ha seleccionado 50 videos, resultado de los elegidos por el público durante el festival.

“DVD Proyect”, en Holanda, en su versión mexicana para esta muestra curada por Lucia Cavalchini y Rodrigo González.

“El Multinacional”, proyectará una selección de videos en el ventanal de la oficina del edificio en el piso 21. Se recomienda utilizar binoculares; “Video viral”, curada por Ricardo Velasco, selección por Internet, correo electrónico, blogs y otros sitios web.

“Diámetro” es un proyecto del Taller de Experimentación Gráfica dirigido por Luis Ricaurte en colaboración con los curadores Jaime Tamayo y María Calleguerrero, la galería se encuentra ubicada en el metro Pino Suárez; “Intervención /Oasis” es otra pieza que se presenta en un puesto ambulante de mercado en Tlanepantla; “Expo Cohete” en el cohete de feria en el parque de los Venados de la Ciudad de México.

“Se Permuta” estará abierta al público hasta el 28 de marzo del presente año se puede consultar las páginas www.exteresaarteactual.blogspot.com; www.ederbeat.buzznet.com o www.youtube.com/sepermuta.

Estacionarte 08: Apropiaciones Urbanas / Jayya Yedid

Hoy por hoy el arte juega un papel activo, fundamental, funge como un sensor de lo que atañe a la humanidad, sirve como radiografía de su sociedad para saber sus patologías, y como diagnóstico del mundo en que vivimos.

Estacionarte 08 lanza una convocatoria abierta a la comunidad artística en general, a participar de manera entusiasta en este proyecto, su intención es impulsar y promover la producción artística y el conocimiento de la misma. Se reciben propuestas de distintas voces, voces que reflexionan sobre su acontecer, que cuestionan, que denuncian, que digieren, que se apropian… el mundo que nos rodea.

De los artistas seleccionados tanto por convocatoria, como por invitación, se requiere un proyecto individual o colectivo con un planteamiento claro y propositivo a nivel conceptual, que consiga nuevas significaciones y discursos en la percepción, que accese a una dimensión estética poniendo de manifiesto los imaginarios culturales de la sociedad contemporánea.

Después de reunir dicha selección de artistas, se establece una temática que los abarca, esa que es representativa de nuestra contemporaneidad. Este año Estacionarte refiere a la ciudad y a las apropiaciones de lo urbano. Se trata de una muestra que comprende varias voces que hablan desde un lugar distinto, particular, pero representativo de la gran masa. Las propuestas varían en el tono, algunas tienden hacia la poética de los espacios, otras tienen un dejo de nostalgia y otras más recurren a un mimetismo neurótico de la ciudad.

El Centro Cultural Universitario Tlatelolco, funge como una pieza más de esta muestra, además de ser el contenedor de todas las voces, el que le da cabida a todas las manifestaciones artísticas y las articula, se establece como locus ideal en tanto su grandilocuencia y su ubicación geográfica.

Los espacios de la muestra al interior del edificio, están configurados a manera de traza de la ciudad, en donde estos confluyen con otros, unos más abiertos, otros más cerrados de manera laberíntica, representando de forma simbólica la ciudad que puede llegar a ser caótica.

Respecto a la muestra en los contenedores de barco, instalados en el patio central del complejo, estos se configuran de manera representativa como espacios-casa, en donde interviene la obra a manera de “mobiliario”. Espacios que generan un universo aparte, que se aísla del resto. Arriba el edificio –la vista de la ciudad a nivel macro- ajeno, abajo en los contenedores –la vista a nivel micro- íntimo.

El espectador buscará recorrer los espacios haciéndose parte del lugar, encontrándose con la obra a su paso en las diferentes áreas de la muestra. Se abre la puerta a un espacio privado, se invade y se convierte en público, los visitantes se reapropian del espacio una y otra vez. La intención del recorrido es revivir de manera más consciente la experiencia de la ciudad, al paso que uno camina, descubre, encuentra, y se introduce en un sin fin de relaciones.


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Proyecto Estacionarte 08

Apropiaciones Urbanas

Con base a las propuestas artísticas recibidas por convocatoria para Estacionarte 08, el tema de este año gira en torno al fenómeno urbano. Las líneas principales de trabajo de acuerdo a las propuestas seleccionadas son las siguientes:

1. El concepto de ruina contemporánea
Se cuestiona la construcción ideológica que erigió edificios públicos en la ciudad de México en los años sesenta. Esos edificios hoy son ruina y se releen como el fracaso de ese ambicioso programa político que duró setenta años. Existe un corte histórico, un corte de tajo, abrupto entre regímenes políticos. Se cuestiona lo que queda suspendido, el residuo de la transición.
Otra aproximación al tema de ruina, gira en torno a los objetos-ícono en extinción, dentro del Distrito Federal. Objetos descontinuados que siguen en nuestro bagaje de imágenes. Sus remanentes son abandonados, olvidados y en desuso.

2. Valores y bienes de consumo contemporáneos
Los deshechos materiales de la sociedad se proponen a la venta, cuestionando los valores de la sociedad enagenada-globalizada. Vemos una recuperación de la basura -objetos inútiles-, que adquieren un valor comercial al introducirlos a un determinado mercado. Existe una reflexión en torno a los objetos de consumo, los valores comerciales del capitalismo, ridiculizando la cultura de bienes y valores de la sociedad contemporánea.

3. Marginalidad, fractura e intersticio
Una reflexión sobre los elementos urbanos de las zonas de marginación de la zona metropolitana. Símbolos culturales de zonas de marginación como Ecatepec, Iztapalapa o Neza. Entorno urbano de violencia, miseria, contaminación y desesperanza. El folclor de la música grupera, la garnacha y la fayuca. Un dialogo entre centro y periferia, entre intersticio y límite.

4. Mitos Urbanos, anécdotas de ciudad
Obra que pone en entre dicho la realidad de la ficción. El rumor, como deformación del mensaje. Se cuestiona la veracidad de los relatos que circulan dentro de la sociedad. Crisis de lo verosímil vs. lo inverosímil.
El mundo actual de la comunicación y las apariencias que sustituyen a la realidad. La manipulación de los medios en la construcción del sentido de lo real a través de la apariencia y de la ficción.

5. Estructuras, paisajes-piezas urbanas
Idealización de las ciudades, utopías. Problematización de la arquitectura, en la conformación de espacios. Estructuras arquitectónicas albergadas por la memoria. Noción de arquitectura que no cumple su función si no es habitada.
Presencia y tiempo. La habitación exterior es al cuerpo humano lo que la habitación interior es al espíritu, la una no existe sin la otra. Arquitectura- cuerpo, correspondencia entre ambos.

6. Apropiación de espacios, ciudad permisiva
El anonimato como modelo de apropiación de espacios. La utilización de pseudónimos por parte de los artistas para intervenir el espacio de la muestra.
Corrientes urbanas de pensamiento: religión, ciencia oficial, historia oficial, ateísmo, pseudo creencias.


El Centro Cultural Universitario Tlatelolco (CCUT) a través de la Universidad Nacional Autónoma de México (UNAM), se reapropia de un complejo arquitectónico emblemático qué ocupara desde sus inicios la Secretaría de Relaciones Exteriores (SRE). En meses recientes, después de quedar en el abandono por varios años, se recuperan las instalaciones con el propósito de crear un espacio cultural que anime y enriquezca a través de diversos proyectos culturales, la vida comunitaria de la capital del país. Hoy por hoy se replantea la reutilización de elementos urbanos que figuran como parte importante de la historia de la ciudad, abriendo espacios a la expresión y apropiación, antes inimaginable de espacios destinados a usos ajenos ala expresión urbana.

Tlatelolco como sede de Estacionarte 08, se retoma como parte del discurso curatorial revalorándolo por sus aspectos históricos. El Movimiento Estudiantil de 1968 jugó un papel activo en la construcción democrática de la nación y su decisiva influencia en los cambios de mentalidad que se dieron en diferentes ámbitos de la sociedad mexicana a partir del último tercio del siglo XX. Este movimiento se ha convertido en expresión colectiva y en emblema del sentimiento de ruptura por casi cuatro décadas. El complejo forma parte del imaginario creador de los artistas de distintas disciplinas y es un punto de partida para los nuevos cuestionamientos sobre la ciudad.

listo!, el sitio oficial de

www.jardinesflotantes.org


the project consists of a virtual architectural reinvention of three specific and qualitatively different points within Mexico City


a digital, interactive representation of a floating garden, by way of a 3D program projected in real time via web. Users meet in this cyberspace “garden” via a chat programmed and designed to for the express purpose of being inhabited.


visitors access the website from the different connection points; one, the lobby of the WTC building, the other in the East side Prison, and the third in a museum. Users are represented by virtual characters which interact with each other, navigating this real/virtual world. The graphics are drafted is such a way that the user/spectator in the WTC, museum and prison use 3D glasses and become three-dimensional, through the use of stereoscopic images

CURADOR

Eder Castillo

Se queman DVD gratis / Por Arlette Robledo / canal 22 / DISTRITO FEDERAL, México, 31/03 (N22)
http://www.noticias.canal22.org.mx/noticia.html?n=10860

.- El proyecto audiovisual Se permuta exhibe una amplia selección de video arte de diferentes partes del mundo, algunas de estas piezas ha estado en festivales como el Loop de Barcelona.

"Lo interesante aquí es: estos proyectos en video cómo se pueden llevr a trastocar otros espacios. Sobre todo buscando estos nuevos públicos o generando estos públicos y hacerlos mucho más cercanos. Lo importante es la percepción del público. Es un medio bastante accesible, es más fácil para una persona pararse tres minutos a ver un video que tres minutos a contemplar una obra tridimensional porque precisamente el diálogo es más directo", aseveró Eder Castillo, curador de Se permuta.

La exhibición, integrada por 130 piezas audiovisuales, se vale de instalaciones para hacer un recorrido por el video arte de los últimos años.

"¿Cómo es que surge este mercado y cómo se buscan estas plataformas? Hay un mercado de video en México, quizá no tan grande como existe en el arte moderno, pero existe gente que compra video, que consume video y que sobre todo exporta video", agregó Eder Castillo.

Se permuta pone especial atención en la búsqueda de nuevos espacios de exhibición; bien puede ser en un juego mecánico de feria o un puesto de algún mercado ambulante.

"Nosotros el video lo transformamos o lo desdoblamos como una especie de vínculo entre el espectador y la obra. En este caso llevar la experiencia del arte contemporáneo como tal a espacios donde no es habitual. Lo que vemos acá atrás es un proyecto de 2003 que se llamó Intervención rural en médium, que durante dos años trabajamos en ese proyecto en un mercado de Tlalnepantla."

Quienes visiten Se permuta en el Ex Teresa Arte Actual, hasta el 8 de mayo, podrán quemar su propia colección de videos y los cibernautas encontrarán otra selección audiovisual en la dirección electrónica.

08/AA

Edgar A. Hernández / Excelsior  / 

26-Marzo-2008

La plataforma del video, que cotidianamente se piensa confinada a la pantalla de un monitor, se desdobla para ocupar espacios públicos en la muestra Se Permuta, que presentará a lo largo de dos meses más de 130 piezas en lugares tan disímbolos como un puesto ambulante, en la ventana de un edificio en el Centro Histórico, dentro de un cohete-simulador, en el transporte colectivo Metro o en el sitio de internet YouTube.

Bajo la curaduría de Eder Castillo, en colaboración con Fernanda Mejía, René Hayashi y Miguel Rodríguez Sepúlveda, la muestra será inaugurada a partir del 28 de marzo en el espacio Ex Teresa Arte Actual.

"La idea es desdoblar la naturaleza del video y crear plataformas de acercamiento a la experiencia del arte. Más allá del video buscar estrategias que puede detonar un tipo de experiencia a un público que no está predeterminado a ver una exposición de arte.

"Por ejemplo, usamos un simulador de un cohete de feria que de entrada a cualquier persona le da la idea de que va a vivir una experiencia, lo que buscamos es que esa experiencia sea a través del arte y que se abra una brecha o un diálogo", indicó Castillo.

El artista y curador señaló que Se Permuta no sólo es una muestra de video, sino que se sale del eje expositivo para crear formas lúdicas donde la experiencia del museo sale a la calle y la calle entra al museo, en un ejercicio de ida y vuelta donde lo que se pone en juego es la habitabilidad de ambos espacios.

Dentro de la muestra se proyectarán trabajos de artistas de Japón, Filipinas, Escocia, Italia, Estados Unidos, Francia, Alemania, Argentina, Holanda, Brasil, India, Indonesia, España, Sudáfrica, Canadá y México, que han participado en proyectos de videoarte que exploran diversos caminos para la difusión, comercialización y distribución del video. Desde la venta en galería de DVD seriados y firmados por el artista, hasta el acceso libre en la red a través de YouTube.

Los videos se dividieron en seis bloques con programación diferente cada semana. La muestra se inaugura en las instalaciones de Ex Teresa Arte Actual con la proyección dentro de una reconstrucción de un simulador-cohete donde se proyectarán los videos. Posteriormente en la Capilla de las Ánimas se colocará el armazón de un puesto de mercado ambulante para convertirlo en una sala de video. También fuera del museo habrá proyecciones en el edificio El Multinacional y en una vitrina del pasaje de la línea 1 a la 2 del Metro Pino Suárez.

"Se Permuta" presenta una selección del KO Video Festival de Durban Sudáfrica, que originalmente se realizó en 2005 bajo la curaduría de Greg Streak. También se invitó al DVD Project de videoarte internacional organizado por Stichting Idée-fixe (IDFX), de Holanda. La selección mexicana fue curada por Lucia Cavalchini y Rodrigo González.

En el caso de El Multinacional, ubicado en Eje Central Lázaro Cárdenas número 13, Centro Histórico, se proyectará una selección de videos en uno de los ventanales de oficina del piso 21. El público podrá observar la video proyección con el apoyo de binoculares, mismos que podrán utilizar gratuitamente los viernes por la noche y el sábado 29 de marzo durante la noche de primavera.

En el Metro Pino Suárez la muestra Se Permuta une esfuerzos con el proyecto Di@metro para proyectar videos de KO Video Festival y DVD Project. El programa completo de todos espacios puede consultarse en www.exteresaarteactual.blogspot.com

Ricardo Cerón
El Universal
Ciudad de México
Miércoles 26 de marzo de 2008

A partir del 28 de marzo, la ciudad de México será invadida por 130 videos de artistas de diversas naciones que se proyectarán en parques, edificios, puestos ambulantes y el Metro

Los habitantes de la ciudad de México serán literalmente invadidos por imágenes y videos que se proyectarán en parques, edificios e incluso en el Metro y puestos ambulantes, del 28 de marzo al 18 de mayo, como parte de la exposición audiovisual Se permuta, cuya sede central será el ex Teresa Arte Actual.

Luego de ser exhibidos en diversos países de Europa, Asia y América Latina, estos videos con diferentes temáticas, que van desde las creaciones de ciencia ficción hasta las situaciones cotidianas en las grandes urbes, estarán no sólo al alcance de los habitantes de esta capital, sino de cualquier persona en el mundo, dado que tendrá un espacio espacial en YouTube.

El objetivo de esta muestra audivisual, a decir de Eder Castillo, curador de Se permuta, es dar un panorama general de lo que se está realizando en este campo alrededor del mundo.

Y es que para esta exhibición se proyectarán más de 130 videos de artistas de Japón, Filipinas, Escocia, Italia, Estados Unidos, Francia, Alemania, Argentina, Holanda, Brasil, India, Indonesia, España, Sudáfrica, Canadá y México. Todos estos artistas han participado en proyectos de videoarte alrededor del mundo, donde exploran diversos caminos para la difusión, comercialización y distribución del video. Desde la venta en galería de DVD seriados y firmados por el artista, hasta el acceso libre en la web a través de YouTube.

Los videos se dividieron en seis bloques con programación diferente cada semana, que se puede consultar en www.exteresaarteactual.blogspot.com.

El bloque uno (B1) estará destinado a la proyección de videos dentro de un simulador-cohete ubicado en el museo Ex Teresa Arte Actual donde se podrá apreciar material seleccionado del Festival Durban de Sudáfrica 2005, además en el parque de los Venados se exhibirán más videos en un cohete-simulador de feria.

En la Capilla de las Ánimas de este inmueble, se colocará el bloque dos (B2), un armazón de un puesto de mercado ambulante, donde se presentarán más de 60 videos seleccionados del Festival de Durban y de la expo Intervención 2004-2005.

Mientras tanto, el bloque tres (B3) se ubicará en la nave principal del museo, para mostrar una selección de videos mexicanos, dentro del proyecto DVD Project, que es una iniciativa internacional creada con la intención de mostrar videoarte emergente y experimental.

En el ciberespacio, en particular en la página www.youtube.com/sepermuta, estará instalado el cuarto bloque (B4) de Se permuta, donde los usuarios podrán ver y bajar a su ordenador cerca de 20 videos, todos ellos seleccionados por Ricardo Velazko, quien tomó en cuenta material que ha ganado popularidad a través del proceso de compartirlos por internet, comúnmente correo electrónico, blogs y otros sitios web.

El bloque cinco (B5) será presentado desde los ventanales ubicados en el piso 21 del edificio Miguel E. Abed, localizado en la esquina de las calles de Independencia y eje Central Lázaro Cárdenas.

Por último, el sexto bloque (B6), denominado Di@metro, se presentará en el transbordo de las líneas 1 y 2 de la estación del metro Pino Suárez, como parte de un proyecto curatorial desarrollado por el Taller de Experimentación Gráfica (TEG) dirigido por Luis Ricaurte en colaboración con los curadores Jaime Tamayo y María Calleguerrero.

De acuerdo con Eder Castillo, algunos videos serán presentados en diversos bloques como una forma de interaccionar la exposición. La idea de hacer una muestra audiovisual, explicó Castillo, responde en parte al mundo en imágenes en el que vivimos, y en segundo lugar, a la facilidad que representa llevar una muestra así, mucho más sencillo en comparación con una de tipo tridimensional.

Exhibe las imágenes de 130 artistas de América, Europa y Asia, en donde la propuesta es el movimiento
Sandra Sandoval
El Universal
http://www.eluniversal.com.mx/guiaocio/358571.html
Viernes 28 de marzo de 2008

La exposición Se permuta pretende generar en el público diferentes experiencias de aproximación al arte contemporáneo a través de la proyección de videos desde diversas plataformas como un puesto ambulante, en la ventana de un edificio en el centro histórico, dentro de un cohete-simulador, en el transporte colectivo Metro y a través de la web.

Se proyectan más de 130 trabajos de creadores de Japón, Filipinas, Escocia, Italia, Estados Unidos, Francia, Alemania, Argentina, Holanda, Brasil, India, Indonesia, España, Sudáfrica, Canadá y México, que han participado en proyectos de videoarte.

Uno de los trabajos que se muestran es Video Viral, un proyecto curado por Ricardo Velazko, quien seleccionó algunos videos que han ganado popularidad a través del proceso de compartirlos por internet: correo electrónico, blogs y otros sitios web. Esta selección se encuentra disponible en Youtube.

Asimismo, la galería-taller El Multinacional de los artistas visuales Miguel Rodríguez Sepúlveda y Fernanda Mejía, ubicada en el Edificio Miguel E. Abed, participa con una selección de videos en uno de los ventanales del inmueble. El público podrá observar la video proyección desde las esquinas Independencia, Eje Central y Madero.

Intervención/Oasis es una pieza realizada en Tlalnepantla (2004-2005) por RGE, integrado por Eder Castillo, Rene Hayashi y Gabriel Escalante como parte del proyecto "lugar en medio". Este video presenta cómo se transforma un puesto ambulante del mercado en un espacio para el descanso que incluye una galería de video-arte y sala de chat.

Además, RGE también exhibe Expo Cohete (2005); cabe señalar que, la selección de los videos se baso en la utilización del movimiento como pieza fundamental de la propuesta artística-conceptual. Como sala de proyección, se construyó un simulador-cohete.

Se permuta
Museo Ex Teresa Arte Actual
Licenciado Verdad #8, Col. Centro
Tel. 5522-2721.
L a V de 10 a 18 hrs.
Hasta mayo 18. Entrada libre.
Programa completo en: www.exteresaarteactual.blogspot.com.

ichiro, el perro guia de museo / imagen : eder castillo ©


Artes Visuales
Mónica Mayer
Diario El Universal / seccion Cultura / 09 de noviembre de 2007

El perro muerto y el perro vivo

Desde hace semanas me están llegando decenas de correos electrónicos invitándome a firmar una petición para impedir que Guillermo Vargas, alias Habacuc (como el profeta), participe en la Bienal Centroamericana Honduras 2008.

Resulta ser que en agosto, este artista costarricense participó en la Exposición No.1 en la Galería Códice en Managua (http://www.galeriacodice.com), donde expuso a un famélico perro callejero.

Lo llamó Natividad, como un joven migrante nicaragüense fallecido hace dos años en Costa Rica al ser atacado por dos perros cuando se introdujo sin permiso a un taller mecánico.

El caso ocasionó horror y también polémica, entre otras cosas, porque la familia adujo que no lo salvaron por un asunto de xenofobia.

La pieza de entrada me interesó por irónica. Ante la tragedia (la de Natividad y su familia, la de la pobreza, la de perros entrenados para atacar y satanizados por hacerlo, la del dueño del taller al que habían asaltado varias veces y la de una sociedad apática) no queda más que llorar o reír amargamente.

El escándalo estalló cuando corrió el rumor de que el artista había dejado morir al perro de hambre y éste no lo desmintió: hoy, en www.petitiononline.com, se han reunido casi 200 mil firmas apoyando la petición y un sinnúmero de sitios critican a Vargas e incluso le desean la muerte.

De la ironía se pasó a la necrofilia: la del artista y la de sus detractores.

Me indignó el destino del perro, aunque siendo carnívora sea incongruente. Dudo que a un animal le importe menos que lo maten para comérselo, que en nombre de la ciencia o del arte.

No firmé porque se le puede exigir a una institución que impida la crueldad a un animal, pero no que censure a un artista por una obra realizada en otro lugar, tres años antes.

Hace unos días, Juanita Bermúdez, la directora de la galería, aclaró en un comunicado que al perro lo alimentaron y lo trataron bien, pero se escapó. Vargas sigue callado, fomentando la ambigüedad.

Hay dos tipos de artistas que utilizan esta clase de estrategias extremas: los que buscan la fama a partir del escándalo y los que pretenden hacer una obra política.

Si Vargas está en el primer caso, logró su objetivo. Su próximo paso será hacerse la víctima y decir que lo están censurando.

Si pretendía hacer una obra política, le falló: en vez de fomentar la discusión, sumió al público en el sentimentalismo, desarticulando cualquier acción madura e incitando respuestas viscerales. Lo manipuló.

A muchas obras de arte actual les pasa lo mismo cuando critican las interacciones sociales viciadas, basándose en los patrones que nos condujeron a ellas originalmente: quieren acabar con la violencia social restregándonosla violentamente en la cara. Es como los padres que les pegan a sus hijos para que no sean agresivos.

No toda la responsabilidad es del artista. Sólo nos pueden manipular si nos dejamos.

Además, vivimos tan sometidos al espectáculo de la violencia que aceptamos un rumor sin cuestionarlo y nuestra primera respuesta es la censura.

Pero hay algo que me preocupa más. Estamos tan anestesiados, que ignoramos las obras de arte que plantean los mismos problemas éticos y políticos sin caer en estrategias que refuerzan las estructuras autoritarias.

El año pasado, por ejemplo, en la 12 Muestra Internacional de Performance en Ex-Teresa, René Hayashi y Eder Castillo rescataron a un perro callejero que merodeaba por el museo. Lo cuidaron y lo “reintegraron” a la sociedad —entrenándolo como guía de museo—. Después, el pero Ishiro consiguió un buen hogar.

Quizá, en vez de censurar a Vargas, deberíamos apoyar más a las obras biofílicas como la de Hayashi y Castillo que cuestionan, proponen y actúan.

http://www.el-universal.com.mx/columnas/68283.html

www.pintomiraya.com.mx

MICROMUSEOS

Investigación sobre dispositivos mínimos de exhibición de arte

Tomás Ruiz-Rivas Aguado

2006-2007 

tomas@ojoatomico.com 

Beca de investigación curatorial de Artium – centro museo vasco de arte contemporáneo, convocatoria 2006. 
 

CASOS DE ESTUDIO 

 

En el transcurso de la investigación decidí hacer una selección de experiencias, tanto en el campo del arte como en el de la arquitectura, que sirviesen de ejemplo para futuras propuestas de Micromuseos, y que ayudasen a comprender esta noción desde los diversos ángulos que estoy contemplando. 

La selección que he hecho se basa por tanto en la capacidad ejemplificadora de los diversos ensayos, más que en criterios de catalogación. He dividido el material en cinco grupos, que con una metodología algo cuestionable separan los trabajos curatoriales de las experiencias artísticas y de las arquitectónicas. No hace falta decir que los campos se entrecruzan, y que además hay experiencias pedagógicas, referencias históricas muy variadas y prácticas difíciles de clasificar. 

He prescindido de cualquier alusión a la arquitectura portátil y/o efímera de carácter industrial: carpas, hinchables, escenarios, rulotes, etc. Sin cuestionar el valor arquitectónico de estas construcciones, su naturaleza standardizada es contraria al espíritu de las intervenciones que se plantean con el micromuseo. En general las referencias seleccionadas se ubican en una zona fronteriza entre el arte y la arquitectura. 

Es evidente que hay un fuerte componente personal en las selecciones que he hecho; son “interesadas”, por así decirlo, ya que han dependido más de mis gustos como curador, y de la manera en que visualizo una posible intervención en una zona rural del territorio histórico de Álava, que al rigor de la clasificación histórica. También por este motivo he desechado todas las referencias históricas de la arquitectura o la escultura monumental, donde sin duda podemos encontrar paralelismos con los modelos propuestos. Sin embargo, y esto es parte del sentido de este trabajo, no es lo mismo un templete barroco o un memorial decimonónico que una construcción efímera, povera o móvil de un artista o arquitecto actual. Son realidades distintas en su esencia, porque el sistema económico desde el que los producimos y consumimos es otro: el objeto cultural, como ya hemos visto, no tiene ni la transcendencia del arte religioso ni la universalidad y autonomía de la cultura burguesa ilustrada. Hoy la obra de arte es parte de una industria del ocio y el espectáculo, y, como todo, tras ser consumida se hace humo. Trabajamos pues  la franja ultradelgada que queda entre ésta y otras realidades imaginarias, o bien pasadas o bien por venir.  

La lectura de todo el conjunto proporciona una idea intuitiva de lo que podría ser un micromuseo implantando en una comarca rural de Álava, tanto en su aspecto físico y operativo, como en sus dimensiones estéticas y sociales. 

Los epígrafes que he creado para agrupar las experiencias son: proyectos de artistas, proyectos curatoriales, softquitectura, intervenciones en el territorio y NGPA. 

Los proyectos de artistas responden a dos criterios: la erección de “edificios” sin una funcionalidad concreta, es decir, espacios escultóricos transitables o utilizables en cierta medida como construcciones arquitectónicas, normalmente efímeros, y la apropiación de la institución museal para la realización de una obra de arte. 

El primer caso tiene una amplia intersección con el siguiente apartado, como pronto veremos, y la separación tiene que ver sobre todo con la utilidad / inutilidad de la construcción, y con la misma postura del autor al considerar su trabajo artístico o arquitectónico. 

El segundo caso es muy interesante, porque con independencia de lo “arquitectónico” del dispositivo, el artista provoca una alteración de la relación del público con la obra y el dispositivo de exhibición, precisamente en la dirección en que nos interesa provocarla con los micromuseos. El aparato de representación del poder y de determinación de inclusiones y exclusiones sociales que hay implícito en el museo se desmonta, para reconstruir una esfera pública, limitada o precaria, pero vinculada al mundo del arte y sus instituciones. Estos museos generan, como deben hacerlo los micromuseos, un espacio intermedio, confuso, a caballo entre la obra de arte antagonista, pertinaz en su capacidad de activación política, y la institución burguesa, destinada sobre todo a reforzar el biopoder en el ámbito de las construcciones simbólicas. 

Las piezas escogidas, entre otras muchas posibilidades, son UMOCA, del chino Cai guo-qiang, El Museo Peatonal de los artistas latinos María Alós y Nicolás Dumit Estévez, Guatemex de los mexicanos Eder Castillo y René Hayashi, el Monumento a Bataille de Thomas Hirschhorn, el Museo de la Calle, realizado por un colectivo Promociona tu vida cotidiana, Lichtspielhaus, de los alemanes Winter y Höbert y Sin Título (La Galería) de José Lerma. También he incluido una nota sobre mi proyecto Museo de la Defensa de Madrid. 
 

En cuanto a los proyectos curatoriales, la idea de crear estructuras mínimas o portátiles para la exhibición de arte tiene una larga tradición. Tanto el exceso de instituciones culturales, cuando éstas se han convertido en parte del aparato de producción y control de la subjetividad por parte del Estado, como la carencia, cuando en sociedades con bajos índices de desarrollo las instituciones no se regeneran, perdiendo cualquier funcionalidad, han impulsado a artistas y curadores a  idear dispositivos que faciliten un contra-discurso desde la precariedad y la movilidad propia de las guerrillas. 

El criterio seguido para diferenciar los proyectos curatoriales de los artísticos es que el dispositivo se haya usado para exponer obra de artistas distintos del autor del mismo dispositivo, independientemente de que éste tenga status de obra de arte, si bien en algunas de las piezas incluidas en la sección de artistas hay un uso doble del dispositivo. 

Hay que añadir por último que existen, o han existido, varios proyectos con el nombre de Micromuseo: desde el del peruano Gustavo Buntinx, reseñado en este grupo, a un artists run espacio en la ciudad de Nueva York y un dispositivo móvil creado por la Fundación Fournos, en Grecia, sobre el que desgraciadamente no he conseguido ninguna información. 

La selección final incluye el citado Micromuseo de Gustavo Buntinx, Combo, creado por un grupo de profesores y alumnos de la Universidad de Ciudad Juárez, en México, la Prótesis Institucional, construida por el sevillano Santiago Cirugeda para el Espai d’Art Contemporani de Castelló, Capacete, en Río de Janeiro y Hoffmann’s House en Chile. 
 
 

Durante los años en que he trabajado sobre este tema, he usado internamente el término Softquitectura para describir el tipo de construcciones que consideraba adecuadas para un micromuseo: edificaciones efímeras, transportables, de bajo costo, que no dejen una huella indeleble en el territorio. Una arquitectura que huya de la monumentalidad e intemporalidad que se atribuye esta disciplina, y se acerque más a la fragilidad de determinadas formas de hacer arte. 

En este campo las experiencias son casi infinitas, y debo hacer hincapié en que la selección se ha basado en el interés que cada caso tiene de cara a servir como ejemplo para el proyecto de Micromuseos. He combinado ejemplos provenientes tanto del arte como de la arquitectura, y no hace falta decir que hay muchos puntos de intersección con el primer apartado. 

Vale la pena señalar que en la Universidad de Liverpool hay una unidad de investigación sobre arquitectura portátil. Aunque no he usado documentación de este centro, es una referencia interesante para plantear un evento de carácter teórico que complemente o preceda a un programa basado en Micromuseos. 

Los trabajos estudiados son: la arquitectura de tubo de cartón de Sigheru Ban, la conocida pieza de Vito Acconci Linear Mobile City, la línea de investigación arquitectónica de Rural Studio, GucklHupf, del arquitecto austriaco Hans Peter Wördnl, las piezas Space Frame y Public Things del colectivo de artitas nórdicos N55 y Paracaidista, del mexicano Héctor Zamora, también artista. 
 

El epígrafe de Intervenciones en el territorio recoge proyectos curatoriales que son un referente directo para un programa de arte basado en los micromuseos. Los ejemplos no se limitan necesariamente a intervenciones en el paisaje rural, sino que incluyen exposiciones que en su momento han sido paradigmáticas por su capacidad de insertarse en territorios muy específicos y activar distintos niveles de relación con sus respectivas comunidades. De ellas podemos extraer experiencias, técnicas curatoriales y conceptos muy valiosos. 

En este tipo de intervenciones podemos distinguir dos modelos casi contrapuestos: las intervenciones de carácter espectacular o monumental, que están normalmente vinculadas a la creación de colecciones y a la promoción turística del territorio, y las que están centradas en procesos creativos más abiertos, en colaboración con comunidades residentes en el territorio que acoge el proyecto. 

El proyecto de los micromuseos va a intentar ubicarse en una posición intermedia, donde la obra no quede reducida a elemento de marketing turístico, y con frecuencia con un carácter “invasivo” en el territorio, pero donde tampoco pierda toda visualidad, es decir, donde se mantenga una forma de marcación del mismo territorio, pero de manera que esta sirva para apoyar los procesos creativos más inmateriales y carentes, precisamente, de visibilidad. 

Las exposiciones que nos sirven de ejemplo son Arte Cidade, proyecto del largo plazo liderado por Nelson Brissac en Sao Paulo, Insite 05, que se celebra entre San Diego y Tijuana, y cuyo curador fue Osvaldo Sánchez, Museum in Progress, en Viena, y Arte all Arte, en Toscana, Italia, que es quizás el contextos geográfico y social más similar al que podemos encontrar en Álava. 

Además del comentario de estas exposiciones he considerado interesante incluir alguna información sobre los parques escultóricos y trabajos sobre el paisaje (por alguna razón siempre que se habla de arte en el paisaje se refiere al paisaje rural, pero esto es otro asunto). En el apartado de los parques de esculturas, o de las colecciones al aire libre, en principio iba a incluir sólo algunos ejemplos españoles, porque el catálogo puede ser casi infinito, y en general no aportan mucho, salvo la ideoneidad de determinados materiales para su exhibición en espacios abiertos. Pero finalmente decidí incorporar Kunstwegen, por la peculiaridad de ser un parque escultórico transfronterizo, y planteado como recorrido. De los casos españoles he incluido la Isla de Esculturas de Pontevedra, la Fundación Montenmedio Arte Contemporáneo, en Cádiz, y el Centro de Arte y Naturaleza, de la Fundación Buesas en Huesca. 

Caso aparte, e imprescindible en este contexto, es el Bosque Pintado de Agustín Ibarrola, a quién he dedicado otra reseña. 
 

NGPA son las siglas de New Genre of Public Art, una expresión que se empezó a usar en los años 70, y que se institucionalizó en 1991 con el simposio titulado “Mapping the terrain. New Genre of Public Art”, celebrado en San Francisco, y popularizado en el libro editado cuatro años después por Suzanne Lacy con el mismo título. 

En la noción de NGPA se recogen prácticas artísticas muy diversas, pero que inciden de alguna manera en una noción política y progresista de lo público. Frente a lo que en Estados Unidos se había denominado Public Art, esencialmente la escultura en espacios de uso público, el NGPA experimenta con todo tipo de soportes y formatos, y no consiste en la instalación de un objeto acabado en una plaza, por ejemplo, sino en el desarrollo de procesos creativos vinculados a comunidades. La noción de público se renueva profundamente: “What exist in the space between the words public and art is an unknown relationship between artist and audience, a relationship that may itself become the artwork.” 

El planteamiento que estamos dando a los Micromuseos está estrechamente vinculado a la noción de NGPA, y aunque muchos de los ejemplos expuestos hasta ahora están englobados en esta corriente, o son deudores de ella, he decidido añadir varios casos más porque es un punto clave para que un programa de arte basado en los Micromuseos tenga sentido. 

Los ejemplos van desde conocidos proyectos de los años 70 hasta obras muy recientes, algunas de las cuales han tenido lugar en eventos que hemos comentado en las secciones anteriores. En concreto he revisado piezas de Judy Chicago, Allan Kaprow, Material Group, Big Hope, Sandra Gamarra y los proyectos Park Fiction y ¿Cómo imaginas tu plaza?, realizado por el Antimuseo en 1996. 

Una visión de conjunto de los 32 casos de estudio debe proporcionar una comprensión intuitiva del perfil y márgenes de un eventual programa de arte basado en los micromuseos.

 

UMOCA – Under Museum of Contemporary Art – es un proyecto del artista chino Cai Guo-Quiang. Ha hecho toda una serie de obras basadas en la idea de reinventar el museo, como el DMoCA, en Japón. 

Catálogo Arte all’ Arte 6

Associazione Arte Continua

Siena, Italia 2001. 

Pag. 53 

“Cai Guo-Quiang work involves setting up and opening a small, new contemporary art museum similar to those already created by Cai in Japan. The museum is called UmoCA (Under Museum of Contemporary Art) and has been installed beneath the arches of the bridge of San Francesco, biult in the first half of the 14th century to link the town with the Franciscan monatery on the adjacent hill.

(...)

UmoCA does not require electricity apart from that needed to power the enormous neon signs that signal teh paradoxical presence  in the landscape(...)” 

Pag 56 

Interview with Jerome Sans: 

“Where does this idea come form? 

It’s a response to the various Guggenheim places round the world, to chains like McDonalds, Kentucky Fried Chicken, Starbucks and so on. My ambition is to overtake Guggenheim with my own chain in the space of few years, both in number and efficiency. My MoCA serie will serve the local community more and be more consumer friendly, always taking into consideration the local culture and history. (...)I’m using a bridge that linked the monastery with the town. But instead of the normally-used walkway, I want to inject life into the less-used area underneath. 

How does this museum function? 

This museum has 10 rooms: 3 exhibition halls, the director’s office, the collection, an information center, gift shop, coat check area, toilet and café. We have two imposing signs, wich are very important for the museum and are even more important than a business card. We have limited space, but from a distance the signs makes it look enormous.” 

 
Dos imágenes de la inauguración de UMoCa en la 6ª edición de Arte all’Arte

 

 

El Museo Peatonal es una institución itinerante dedicada a presentar exposiciones temporales en entornos urbanos. La colección del museo proviene de donaciones de aquellos que visitan, trabajan, o viven en los alrededores de la ubicación que el museo tenga en un momento determinado. 

El interés de la institución es el de preservar la presencia de los peatones en un lugar determinado a través de una colección que se forma a medida que los donantes aportan objetos personales. El museo como tal, se materializa durante el ensamblaje de los artículos adquiridos. El proceso de donación es gratuito y los objetos donados son recolectados, inventariados, empacados y luego puestos en exhibición. Las transacciones toman lugar en la calle donde se ubica el museo, aprovechando el continuo flujo de caminantes que se desplazan de un lugar a otro de la ciudad. El personal de esta institución esta compuesto por artistas, quienes se presentan al público (vestidos con trajes azul marino y camisas blancas) fungiendo además los roles de curadores, guardianes del museo, museógrafos e instaladores. De esta forma, se examina la jerarquía laboral propia de las organizaciones culturales. Para recalcar su imagen institucional, El Museo Peatonal se vale de un texto y audio didáctico con el cual informa a los posibles donantes sobre su filosofía y la forma en la que ofrece sus servicios.  
 
Misión del museo: “El Museo Peatonal es una institución itinerante dedicada a presentar exposiciones temporales en diferentes zonas de la ciudad. La colección del museo proviene de donaciones de gente como usted, aquellos que visitan, trabajan, o viven en los alrededores de la ubicación que el museo tenga en un momento determinado. El Museo Peatonal es la expresión física que refleja a traves de las donaciones, el espíritu del barrio en que se encuentra. El museo está actualmente aceptando donaciones para este espacio. Es por ello, que le invitamos a sumarse a este esfuerzo conjunto, contribuyendo con un objeto de su propiedad. Si desea mantener anonimato como donante, por favor solicítelo en el momento de su contribución. Para cualquier información adicional, favor de contactar al personal de la institución. Todos los objetos donados pasarán a ser propiedad del Museo Peatonal.Gracias por su cooperación”.  

Trayectoria del museo peatonal: El Museo Peatonal, creado en el 2002, abrió sus puertas en la calle 42 de Nueva York, en el corazón de Times Square. El mismo año, la institución se trasladó por tres meses a la zona del desaparecido World Trade Center, como parte de Looking In, una muestra organizada por el Lower Manhattan Cultural Council. A principio del 2004, auspiciado por Longwood Art Gallery y el Bronx Council of the Arts, se estableció por dos meses en el condado del Bronx. Durante agosto y septiembre del 2004, The Passerby Museum/El Museo Peatonal, se trasladó a la Ciudad de México para presentarse en diferentes puntos la Ciudad Universitaria del la UNAM  (Universidad Nacional Autónoma de México), apoyado por la Dirección de Artes Visuales de la UNAM y el MUCA Roma. 



Dos imágenes del Museo Peatonal, la primera en México D.F. (MUCA Roma) y la segunda con los autores. 

Texto extraído de la WEB de Madrid Abierto. Imágenes de la misma y del MUCA (http://www.muca.unam.mx/mucaroma/ )  

 

 

Desde hace ya varias décadas se ha ido desvaneciendo la línea que divide la arquitectura del arte, la noción de espacialidad concebida desde la mirada del arquitecto muestra inquietudes por relacionar el paisaje en el escenario arquitectónico, siendo este el medio por el cual el mecanismo creativo entra en relación con fenómenos como lo social y lo urbano. 
El artista por su parte relaciona el paisaje construyendo realidades que se entrelazan con la noción de espacio y tiempo, de experiencia. En su proceso busca una relación honesta entre su obra y el espacio circundante, aquí que tras varias rebeliones anecdóticas en el arte de finales de los 70 nos muestran este interés por redefinir el espacio como tal. 
Durante aquellos años es precisamente el artista visual quien demuestra una insólita sensibilidad hacia la lectura de las condiciones urbana y de la ciudad como –lugar- algo que se siente cada vez más lejano y extraño. 
Los espacios urbanos al igual que los desiertos o las zonas de borde, ofrecen ocasiones para volverse a apropiar de unos esp