eder castillo

 

Comunicado Núm. 1002      http://www.conaculta.gob.mx/?p=20799

*** El creador visual habló con el público sobre su exposición Brevedad Inmaterial, que se exhibe en Ex Teresa Arte Actual

*** El salvadoreño Ronald Moran es uno de los artistas latinoamericanos más importantes del momento

Miércoles 29 de Julio de 2009

La migración, la violencia, la identidad y el tiempo son fenómenos que obsesionan al artista Ronald Moran (San Salvador 1972), quien a través de la ironía y la subversión de la realidad crea piezas que provocan la reflexión de los espectadores que visitan la exposición Brevedad Inmaterial, que se exhibe en Ex Teresa Arte Actual.

        El pasado martes, Ronald Morán ofreció una charla abierta con el público interesado en conocer más acerca del trabajo de este artista salvadoreño considerado como uno de los artistas latinoamericanos más importantes del momento. La revista especializada Exit de Madrid, España, lo ha nombrado uno de los 100 creadores contemporáneos más influyentes.

        Morán habló de las piezas que ha realizado durante los últimos cinco años de su carrera, las cuales en su formato abordan la desmaterialización de las formas y la activación de elementos simbólicos.

        El artista, explicó el curador Eder Castillo, propone la retención espacio-temporal de fenómenos y situaciones que cataliza llevándonos a través de distintos procesos materiales que establecen un diálogo con el público; donde el cuerpo, el territorio y el espacio se neutralizan presentándonos una visión poética que marca límites a través de la instalación, el video, y el objeto.

        Ronald Morán se refirió a la pieza titulada Laberinto, en al que utiliza metafóricamente el hilo para demostrar el frágil pero tangible, sometimiento engendrado por el desmedido uso de la autoridad en la sociedad contemporánea. Los pasillos del laberinto construidos con hilo delimitan y definen nuestro camino.

        “El laberinto es una interpretación del espacio. Es una pieza que ya existía pero esta vez acoplada a un espacio físico muy peculiar, porque es un templo, lo que le da una carga religiosa, de fe. En un principio esta pieza estuvo asociada al fenómeno migratorio, porque siempre me ha importado notar ciertas actitudes del ser humano al tomar una decisión”.

        El artista está convencido de que todos los países, principalmente los de América Latina, de una manera estamos en traslado permanente por diferentes motivos. “Esta pieza tiene que ver con el desconcierto que nos provoca ese salto al vacío, ese transitar en un espacio incierto y llegar a un punto, no necesariamente al que nosotros deseamos. Esta pieza es una metáfora de todo eso”, explicó.

        Otra de las piezas que integran Brevedad Inmaterial, es Tiro al Blanco, la cual fue generada a partir de los juguetes bélicos. Con esta obra, Morán abre nuevas posibilidades de investigar la fragilidad, pues consiste en un tiro al blanco en vidrio esmerilado, donde no solo se refiere al juego en sí, sino a la idea de un objetivo hacia el cual es posible disparar una sola vez: porque sea cual sea el resultado del primer y único tiro, éste se destruirá.

        “En Tiro al Blanco de cristal, mi propuesta es tratar de alterar el lenguaje visual a través de la ironía, para denotar la comprensión de una realidad modificada. La intervención con el espectador es algo que siempre me ha preocupado, por eso esta pieza es una metáfora de la vida como un complejo y frágil juego, donde la ley de las probabilidades da el mismo resultado irremediable, ya que la satisfacción del acierto trae consigo la misma dosis de tensión que la desilusión”.

        La exposición también contiene video, como Revés, una acción documentada que consistió en grabar, en tiempo real, escenas cotidianas propias de Frontera Corozal, municipio de Ocosingo, Chiapas. Las escenas protagonizadas por los habitantes de esta región de la frontera sur, fueron hechas al revés.

        La realización de este video se inspiró en el hecho geográfico de que por caprichos del curso del río Usumacinta su norte geográfico apunta hacia Guatemala. Paradójicamente el Usumacinta es un símbolo que divide Centroamérica de México. “México: Vecino de Estados Unidos al Norte. El poblado de Frontera Corozal ubicado al revés.”

        Una de las piezas que más impresionan por el significado que tiene detrás, es Polaroid 060. Se trata de la documentación de una pieza realizada en Chiapas, en un pueblo en medio de la Selva Lacandona, a orillas del Río Usumacinta, que consta de 35 fotos Polaroid, un display de tamaño real de un integrante de la Mara Salvatrucha (MS), y un video, en el que se puede observar cómo a través del arte, un grupo de jóvenes cumplieron su deseo de ser “Maras”.

        Esta pieza surgió después de uno de los viajes que Ronald Morán realizó a la frontera de México y Guatemala, donde los adolescentes de la región le decían que una de sus aspiraciones era ser “marero”, específicamente de la MS. “Me pareció increíble, como puede resultar atractiva esa idea, en medio de la selva en una sociedad indígena súper cerrada y dominada por muchas sectas religiosas que han tenido sometidos a los pobladores, sin duda les parece una especie de válvula de escape. Otra cosa que me intereso mucho es ver lo que exporta El Salvador, que no son productos, ni servicios, sino matones, me pareció increíble”.

        La exposición Brevedad Inmaterial, permanecerá en exhibición hasta el 6 de septiembre de 2009 en Ex Teresa Arte Actual, ubicado en Licenciado primo Verdad 8, Centro Histórico.

http://www.arts-history.mx/noticiario/index.php?id_nota=2207200993301

Brevedad Inmaterial es una muestra individual de Ronal Morán, la cual presenta una visión poética de quienes deciden migrar, con piezas en donde la línea es una constante que marca límites, fronteras, espacios, condiciones sociales, aspiraciones, destinos y rutas de vida. Será inaugurada el día 25 de julio a las 20:00 horas, en el Ex Teresa Arte Actual del Instituto Nacional de Bellas Artes (INBA) y Conaculta, bajo la curaduría de Eder Castillo. El artista Ronal Morán nació en San Salvador en 1972 y actualmente es considerado como uno de los artistas latinoamericanos más importante del momento. A través de excelentes imágenes y musicalización nostálgica, el artista nos presenta las tres maneras posibles para migrar que son: cielo, tierra y mar. Estos tres territorios muestran una línea como sinónimo de rumbo, de frontera, de división entre un norte y un sur, así como la necesidad de seguir un camino interminable. Morán también pone a prueba la fe del espectador y hace un paralelismo con migrantes latinoamericanos, en donde comenta: “el que inicia el camino del laberinto tiene fe en que podrá cruzarlo y encontrar la salida. El ilegal tiene la decisión de emprender un viaje a otro territorio, quedarse y vivir las consecuencias de ser un inmigrante; este estado es tan arriesgado como regresar al lugar de origen”. El artista nos muestra a través de un laberinto un tiro al blanco, un display de tamaño natural de un integrante de una banda y tres nostálgicas piezas de video, esos espacios en el tiempo que marcan el camino de vida de quienes han decidido migrar. La pieza titulada Laberinto utiliza metafóricamente el hilo para demostrar el frágil pero tangible sometimiento por el desmedido uso de la autoridad en la sociedad contemporánea. Polaroid 060, trata de la documentación de una pieza realizada en Chiapas, en un pueblo en medio de la Selva Lacandona, a orillas del Río Usumacinta, que consta de 35 fotos Polaroid, un display y un video. Tiro al Blanco se genera a partir de los juguetes bélicos donde Moran abre nuevas posibilidades de investigar la fragilidad con esta pieza que consiste en un tiro al blanco en vidrio esmerilado, dicha pieza es una metáfora de la vida como un complejo y frágil juego, donde la ley de las probabilidades da el mismo resultado irremediablemente. El video titulado Revés, hace una reflexión sobre el paso del tiempo y se percibe una sensación prolongada de soledad, hasta el punto de notar una extraña modificación de la realidad. Revés es una acción documentada que consistió en grabar en tiempo real, escenas cotidianas propias de Frontera Corozal, municipio de Ocosingo, Chiapas. Breve Cuestionamiento que Traspasa el Estado Material, pieza de video que se presentará en el altar de la nave mayor de Ex Teresa Arte Actual, reflexiona sobre la temática de la migración como una situación natural producto de distintos factores propios de cada circunstancia y necesaria del ser humano. Ronal Morán, quien ha sido considerado por la revista especializada Exit de Madrid, España, uno de los 100 artistas contemporáneos más influyentes y su muestra intitulada Brevedad Inmaterial estará hasta el 06 de septiembre en el Ex Teresa Arte Actual.

Autor/Redactor: INBA / Ex-Teresa. Arte Actual

Editor: Manuel Zavala y Alonso

* La exposición se presentará en el centro cultural Ex Teresa Arte Actual; curaduría de Eder Castillo.
* Se trata de una muestra que marca límites, fronteras, condiciones sociales, destinos y rutas de vida



El Financiero en línea

México, 24 de julio.- Ronald Morán, artista salvadoreño a quien se considera entre los más influyentes en ese ámbito, presentará su exposición "Brevedad inmaterial", en el centro cultural Ex Teresa Arte Actual, del 25 de julio al 6 de septiembre, informó hoy aquí el mismo autor, en reunión de prensa.

Se trata, explicó, de una muestra en donde la línea es una constante que marca límites, fronteras, condiciones sociales, destinos y rutas de vida, a través de un laberinto construido con hilo, un frágil tiro al blanco y piezas de video.

Esos espacios en el tiempo, que marcan el camino de algunas personas, están ahí. Agregó que a lo largo de la muestra habrá actividades paralelas confeccionadas por él mismo. Morán, quien ha participado en las bienales de Venecia y de La Habana, muestra piezas como "Home sweet home", "Opción para escapar", "Polaroid 060" y "Entre las flores", entre algunas otras.

En ellas hace una reflexión crítica a diversas problemáticas sociales, como la violencia intrafamiliar, las "Maras" en El Salvador y la represión contra los grupos indígenas.

Esta es la primera vez que se expone en México la obra de este artista, quien cubre con poesía las penurias que enfrentan los inmigrantes.

Morán, considerado por la revista especializada "Exit", de Madrid, España, como uno de los 100 artistas contemporáneos más influyentes del momento, también presenta en tres nostálgicas piezas de video los espacios en el tiempo que marcan el camino de vida de quienes deciden emigrar en pos de la fortuna.

La pieza titulada "Laberinto", detalló el mismo autor, utiliza metafóricamente el hilo para demostrar el frágil pero tangible sometimiento engendrado por el desmedido uso de la autoridad en las sociedades contemporáneas.

"Los pasillos del laberinto, construidos con hilo, delimitan y definen nuestro camino", adujo. También pone a prueba la fe del espectador y hace un paralelismo con los migrantes latinoamericanos.

"El que inicia el camino del laberinto tiene fe en que podrá cruzarlo y encontrar la salida.

El migrante tiene la decisión de emprender un viaje a otro territorio, quedarse y vivir las consecuencias de ser un migrante", manifestó. "Polaroid 060" es la documentación de una pieza realizada en Chiapas, a orillas del río Usumacinta.

Consta de 35 fotos, un display de tamaño real de un integrante de la Mara Salvatrucha y un video en el que se observa cómo, a través del arte, un grupo de jóvenes cumplió su deseo de ser mara.

Esta pieza surgió después de uno de los viajes que Morán realizó a la frontera de México y Guatemala, donde los adolescentes de la región le decían que una de sus aspiraciones era ser "marero".

"Me pareció increíble lo atractiva que es esa idea en una sociedad indígena dominada por muchas sectas religiosas", comentó.

Desde su punto de vista, "sin duda les parece una especie de válvula de escape.

Otra cosa que me interesó mucho es ver lo que exporta El Salvador, que no son productos, ni servicios, sino matones me pareció increíble", comentó el artista quien se encuentra en México para promover su muestra.(Con información de Notimex/TPC)

FOTO : Ernesto Muñiz

Diario La Cronica
Verenise Sánchez | Culturas
Martes 21 de Julio, 2009

Por primera vez se expondrá en México la obra de Roland Morán, uno de los artistas latinoamericanos más importantes del arte contemporáneo, y quien presenta de una manera muy poética las penurias a las que se enfrentan los inmigrantes.

Sus piezas más representativas se exhibirán de 25 de julio al 6 de septiembre en el Museo Ex Teresa Arte Actual, en la exposición individual Brevedad inmaterial. bajo la curaduría de Eder Castillo

En esta muestra, el salvadoreño presenta una visión poética de quienes deciden migrar, con piezas que utilizan a la línea como metáfora de límites, fronteras, espacios, condiciones sociales, aspiraciones, destinos y rutas de vida.

Morán, considerado por la revista especializada Exit de Madrid, España, como uno de los 100 artistas contemporáneos más influyentes del momento, muestra a través de un laberinto, un tiro al blanco, un display de tamaño natural de un mara salvatrucha y tres nostálgicas piezas de video los espacios en el tiempo que marcan el camino de vida de quienes han decidido emigrar.

La pieza titulada Laberinto utiliza metafóricamente el hilo para demostrar el frágil pero tangible sometimiento engendrado por el desmedido uso de la autoridad en las sociedades contemporáneas. Los pasillos del laberinto, construidos con hilo, delimitan y definen nuestro camino.

Morán también pone a prueba la fe del espectador y hace un paralelismo con los migrantes latinoamericanos. “El que inicia el camino del laberinto tiene fe en que podrá cruzarlo y encontrar la salida. El migrante tiene la decisión de emprender un viaje a otro territorio, quedarse y vivir las consecuencias de ser un migrante. Este estado es tan arriesgado como regresar al lugar de origen”, explica el artista en la muestra.

Polaroid 060 se trata de la documentación de una pieza realizada en Chiapas, en un pueblo en medio de la Selva Lacandona, a orillas del río Usumacinta, que consta de 35 fotos Polaroid, un display de tamaño real de un integrante de la Mara Salvatrucha y un video en el que se puede observar cómo, a través del arte, un grupo de jóvenes cumplieron su deseo de ser maras.

Esta pieza surgió después de uno de los viajes que Ronald Morán realizó a la frontera de México y Guatemala, donde los adolescentes de la región le decían que una de sus aspiraciones era ser marero, específicamente de la MS. “Me pareció increíble, cómo puede resultar atractiva esa idea, en medio de la selva, en una sociedad indígena super cerrada y dominada por muchas sectas religiosas que han tenido sometidos a los pobladores.

“Sin duda les parece una especie de válvula de escape. Otra cosa que me interesó mucho es ver lo que exporta El Salvador, que no son productos, ni servicios, sino matones…, me pareció increíble”, indica.

A través de excelentes imágenes y musicalización nostálgica, el artista nos presenta las tres maneras posibles para migrar: cielo, tierra y mar. Estos tres territorios muestran una línea como sinónimo de rumbo, de frontera, de división, entre un norte y un sur, así como la necesidad de seguir un camino interminable.

brevedad inmaterial
BOLETÍN PARA MEDIOS EX TERESA ARTE ACTUAL




*Se podrá transitar por un laberinto construido con hilo fluorescente
*Moran, uno de los artistas más influyentes del arte latinoamericano
* Visión poética del camino de vida de quienes han decidido migrar

Muestra individual de Ronald Morán (San Salvador, 1972), uno de los artistas latinoamericanos más importantes del momento presenta una visión poética de quienes deciden migrar, con piezas que utilizan a la línea como metáfora de límites, fronteras, espacios, condiciones sociales, aspiraciones, destinos y rutas de vida, se exhibe en Ex Teresa Arte Actual del 25 de julio al 6 de septiembre 2009.
Morán, considerado por la revista especializada Exit de Madrid, España, uno de los 100 artistas contemporáneos mas influyentes, nos muestra a través de un laberinto; un tiro al blanco; un display de tamaño natural de un Mara Salvatrucha MS y tres nostálgicas piezas de video, esos espacios en el tiempo que marcan el camino de vida de quienes han decidido migrar.
La pieza titulada Laberinto utiliza metafóricamente el hilo para demostrar el frágil pero tangible, sometimiento engendrado por el desmedido uso de la autoridad en la sociedad contemporánea. Los pasillos del laberinto construidos con hilo delimitan y definen nuestro camino.
Morán también pone a prueba la fe del espectador y hace un paralelismo con los migrantes latinoamericanos “El que inicia el camino del laberinto, tiene fe en que podrá cruzarlo y encontrar la salida. El migrante tiene la decisión de emprender un viaje a otro territorio, quedarse y vivir las consecuencias de ser un migrante, este estado es tan arriesgado como regresar al lugar de origen”.
Polaroid 060. Se trata de la documentación de una pieza realizada en Chiapas, en un pueblo en medio de la Selva Lacandona, a orillas del Río Usumacinta, que consta de 35 fotos Polaroit, un Display de tamaño real de un integrante de la Mara Salvatrucha MS, y un video. En el que se puede observar cómo a través del arte, un grupo de jóvenes cumplieron su deseo de ser “Maras”.
Esta pieza surgió después de uno de los viajes que Ronald Morán realizó a la frontera de México y Guatemala donde los adolescentes de la región le decían que una de sus aspiraciones era ser “marero”, específicamente de la MS, “me pareció increíble, como puede resultar atractiva esa idea, en medio de la selva en una sociedad indígena súper cerrada y dominada por muchas sectas religiosas que han tenido sometidos a los pobladores, sin duda les parece una especie de válvula de escape. Otra cosa que me intereso mucho, es ver lo que exporta El Salvador, que no son productos, ni servicios, sino matones, me pareció increíble.” Explica el artista.
Tiro al Blanco se genera a partir de los juguetes bélicos, donde Morán abre nuevas posibilidades de investigar la fragilidad con esta pieza que consiste en un tiro al blanco en vidrio esmerilado, donde no solo se refiere al juego en si, sino a la idea de un objetivo hacia el cual es posible disparar una sola vez: porque sea cual sea el resultado del primer y único tiro, éste se destruirá. Tiro al blanco es una metáfora de la vida como un complejo y frágil juego, donde la ley de las probabilidades da el mismo resultado irremediable, ya que la satisfacción del acierto trae consigo la misma dosis de tensión que la desilusión.
Cuando el espectador ve el video Revés, reflexiona sobre el paso del tiempo, y percibe una sensación prolongada de soledad, hasta el punto de notar una extraña modificación de la realidad. Revés es una acción documentada que consistió en grabar en tiempo real, escenas cotidianas propias de Frontera Corozal, municipio de Ocosingo, Chiapas. Las escenas protagonizadas por los habitantes de esta región de la frontera sur, fueron hechas al revés.
La filmación no fue sencilla, en mas de una ocasión se tuvo que hacer labor de convencimiento “en muchos casos a través de la ayuda de un interprete de la lengua cho’l al español” comenta el artista. Las actuaciones debían ser con toda naturalidad. Las labores más comunes se tenían que realizar de manera invertida, de atrás para adelante, de afuera para dentro, o según fuera necesario, pero en sentido opuesto.
Como recurso premeditado, en la edición gráfica se invirtió el sentido de la grabación, provocando de esta manera una especie de parodia entre el tiempo real, -esta vez invertido- y lo que aparenta estar dentro de la normalidad.
La realización de este video se inspiró en el siguiente hecho geográfico: “Por caprichos del curso del río Usumacinta su norte geográfico apunta hacia Guatemala. Paradójicamente el Usumacinta es un símbolo, que divide Centroamérica de México, México: Vecino de Estados Unidos al Norte. El poblado de Frontera Corozal ubicado al revés.”
Breve Cuestionamiento que Traspasa el Estado Material pieza de video que se presenta en el altar de la nave mayor de Ex Teresa Arte Actual reflexiona sobre la temática de la migración como una situación natural producto de distintos factores propios de cada circunstancia y necesaria del ser humano.
A través de excelentes imágenes y musicalización nostálgica, el artista nos presenta las tres maneras posibles para migrar: cielo, tierra y mar. Estos tres territorios muestran una línea como sinónimo de rumbo, de frontera, de división, entre un norte y un sur; así como la necesidad de seguir un camino interminable.
Contacto
Beatriz Garduño
Difusión Ex Teresa Arte Actual
5522 2721 5522 9093
04455 35789286
exteresa_arteactual@yahoo.com.mx
www.exteresaarteactua.blogspot.com

TACO 2009
Programación para el Mes Perro. Tianguis de arte contemporáneo. FARO TLÁHUAC, junio 09:


Muestra de arte contemporáneo:

Exposición de arte contemporáneo que aborda el tema de “lo perro” en el arte y el artista como categorías alegóricas, tomando como figura temática las cualidades del perro como la fidelidad, la tragedia, el abandono, la rabia, el vagabundeo entre otras. Además de retomar los referentes prehispánicos de servir como guía hacia el inframundo. Para ser plasmadas en estrategias y prácticas como la gráfica, pintura, escultura, instalación y el video, con obras realizadas por artistas de distintos estados del país y de la ciudad de México.

Se inaugura el miércoles 24 de junio a las 3pm. Clausura domingo 28. 6pm.

Mesas temáticas del TACO (tianguis de arte contemporáneo) en Faro Tláhuac:

Dentro del Tianguis cultural se contempla una amplia serie de mesas redondas sobre actividades profesionales dentro del mundo del arte como son las museografías, curadurías, pedagogías, contenidos, colectivos y proyectos artísticos que desde las distintas instituciones tanto las oficiales como las más alternativas, construyen toda la plataforma cultural de la ciudad de México. Participan museos, instituciones, colectivos y artistas de Secretaría de Cultura de la ciudad, Museo Carrillo Gil, Casa Vecina, Casa Talavera, Peatonal, Clínica Regina, Colegio de San Ildelfonso, Museo Archivo Fotográfico, Central del Pueblo, Pinto Mi Raya, Revista Celeste, Revista Generación, Revista Código 01480, Centro Cultural de España, Fundación Colección Jumex. Del miércoles 24 al sábado 27 de junio.





Perspectivas de la Fotografía Mexicana. Coordina Juan José Ocha y ponentes por confirmar. Sábado 4pm.

Programaciones culturales. Ponentes: Nadia García (Gestora cultural), Casa Talavera-UACM; Eva Gómez (Coordinadora de Programación), Centro cultural de España; Manuel Zepeda, Secretaría de Cultura de la ciudad, Circuito de Festivales; Georgina Salgado (Responsable de área de servicios educativos), Museo Archivo Fotográfico. Sábado 27, 3pm.

Contenidos para la formación de públicos de arte: Octavio Avendaño (investigador y periodista cultural), Irving Domínguez (curador e investigador), Vanesa Fernández ( Revista Celeste), Edgardo Ganado Kim, Director de “La Refaccionaria” Galería de arte contemporáneo; Manuel Horta (Editor de moda y arte de Revista Código 01480). Sábado 27, 2pm.

Investigación y pedagogías para el arte. Ponentes: Jorge Munguía, (curador y promotor cultural, PaseUsted), Erik Castillo (Crítico e investigador de arte), Mónica Mayer (artista e investigadora. Pinto mi Raya), Carmen Rossette (artista visual y académica de la ENAP) y Sofía Olascoaga (artista y coordinadora de Servicios Educativos del Museo Carrillo Gil), Samuel Morales (Jefe de programas de comunicación y educación de la Fundación Jumex). Sábado 27, 1pm.

Proyectos artísticos de espacios públicos. Ponentes: Yurian Zerón (artista e ingeniero); Israel Mora (artista); Eder Castillo (artista y curador); Máximo González/ el changarrito (artista y promotor de arte); Alberto Híjar (CENIDIAP, INBA); José Miguel González Casanova (artista y catedrático,por confirmar).Viernes 26, 3pm .

Curadurías alternativas e institucionales. Ponentes: Rubén Morales (artista visual y curador), Casa Vecina; Carmen Flores (artista visual y curadora); Casa Talavera, Taniel Morales (artista visual y curador. Directo de galería, Central del Pueblo), Andrés Mendoza (artista y promotor cultural, Clínica Regina)Viernes 26, 2pm.

Autogestión en el arte. Ponentes: (Sala de Urgencias), (Truequearte), (Tianguis Huacal), Sergio Barrientos Robledo, (Foro Arteria). Jueves 25, 3pm.

Producción de arte desde la periferia: Arte urbano Zapotitlan, (Comuart), Ttepefo (Taller de talla y experimentación para la escultura del faro de Oriente), Ana Bufa de Colectivo “Peritas en Dulce”, Colectivos y artistas de Tláhuac e Iztapalapa. Jueves 25, 4pm.

Museografías, un asunto de negociación en el espacio. Ernesto Bejarano (Arquitecto y museógrafo), Jaime García (artista visual y museógrafo), Colegio de San Ildelfonso, Humberto Ríos (Casa Vecina), Museo Archivo Fotográfico. Miércoles, 5pm 24.

Presentación de libros, revistas y fanzines especializados. Revista Generación, Revista Celeste, Arte al día.

Abriendo, FAROS. Martín González (Coordinador del Faro Tláhuac), Liliana López (Directora de la Red de Faros de la ciudad de México), Mónica Hernández (Coordinadora del Faro Indios Verdes), José Allard (arquitecto de los FAROS), promotores culturales Faro Tláhuac. Miércoles 24, 4pm.

El arte contemporáneo de todos los días. Samuel Mecinas (proyecto PEATONAL), Leomar (artista visual y curador), Alberto Ramírez (curador y artista), Maestro Carlos Blas-Galindo ( Director del CENIDIAP, INBA). Miércoles 24, 3pm.


A LOS ASISTENTES INSCRITOS A LAS MESAS SE LES DARÁ CONSTANCIA.





Proyectos culturales invitados a asignarse en 2 x 2 metros del pabellón:

• Programa Peatonal (secretaría de Cultura de la ciudad, instalando su cabina de radio).
• Pinto Mi Raya (participan con estand de publicaciones).
• Arte en mozaico(estand con obras).
• Ropa y moda alternativa, diseñador Carlos Nieto.
• Revista Celeste.
• Revista Generación.
• Arte contemporáneo y artesanía (Itzel Castillo).
• Arte vitrales.
• Alejandro Camacho, Juguetes artesanales (Premio nacional de Artesanías: Juguete Tradicional, tallerista Faro Tláhuac).
• El Changarrito, de Máximo González, artistas invitados Isaías, Erik Vázquez, Lissette Ávila y Gerorgina González.



Cine-club mensual FARO TLÁHUAC

Proyecciones de ciclo de cine gratuitas en el Salón de usos múltiples:

• Amores perros de Alejandro González Iñarritu, clasificación “C”, jueves 11, 4pm.
• Días Perros de Ulrico Sedl, clasificación “C”, 121 mns, jueves 18, 4pm.
• Dovermann de Jan Kounen, clasificación “C”, 100 mns, jueves 25, 4pm.



Maratón de cine “Festival de Canes”.

Viernes 26, de 6 de la tarde a las 6 de la mañana del sábado 27 de junio, más de 16 películas perras con café, bocadillos y zona de camping. El acceso será hasta las 11 de la noche del viernes. Entrada Libre.



Promotor responsable y coordinador del Tianguis de arte contemporáneo para el FARO TLÁHUAC: Alejandro Rincón (idea original adaptada que se retoma del Mes perro realizado en 2006 desde el FARO TLÁHUAC).
Idea del nombre original del TACO (tianguis de arte contemporáneo) 09: Gizeh Arellano.
Coordinación del Diseño y difusión para el cartel del Mes perro y TACO 09: Gibrán Guevara Rosemberg, coordinador servicios culturales.
Apoyo con el diseño de cartel: Dorian Torres García.
Apoyo en logística y organización: Área de Servicios Educativos, Área de Libro-club “Eduardo Vázquez”, Producción, Servicios Generales, equipo operativo de base y Líder coordinador de proyecto, responsable coordinador del Faro Tláhuac (programador Maratón de cine): Martín González Mercado.

CENTRO PORTATIL DE ARTE CONTEMPORANEO
Fotografías y textos del proyecto que realizamos actualmente en México
www.ojoatomico.com/cpac/index.html


TRAS LOS SIGNOS EN ROTACIÓN
Primer encuentro
Ya en línea las ponencias y videos de los debates
www.ojoatomico.com/signos/index.html
www.youtube.com/antimuseo




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El Ojo Atómico
ANTIMUSEO DE ARTE CONTEMPORÁNEO
info@ojoatomico.com
www,ojoatomico.com

Para recibir información de las actividades del Ojo Atómico-Antimuseo de Arte Contemporáneo- envíenos un e-mail a info@ojoatomico.com con la palabra suscribe en el asunto.

+34 91 577 47 60

Proyectan al video como plataforma de flujo artístico
Diario El Imparcial / Oaxaca, Mexico /   De la Redacción  / 15/12/2008

fotografia: Claudia Terroso

Para el curador Eder Castillo, trabajar a través del video, se ha convertido en un medio que le permite generar espacios de intercambios artísticos  

20 de agosto de 2008
sala de prensa / CONACULTA / Ex Teresa Arte Actual / fotografìa: Ernesto Muñiz

El artista Antonio O’Connell invade el ex templo de Santa Teresa con la obra Inoculación, pieza en la que retoma la metáfora de un virus invasor, utilizada ya en creaciones anteriores, que infecta el espacio originalmente consagrado al culto religioso con su toxina llamada consumismo, indicó el Coordinador Nacional de Artes Plásticas, Santiago Espinosa de los Monteros.

“Construida reutilizando materiales de desecho como autopartes, carritos y exhibidores de tiendas departamentales, sillones, mesas, tarimas, monitores y tableros de computadora, la monumental instalación es una crítica abierta a la voracidad mercantil de la sociedad moderna, que en su soberbia se ha alejando de la espiritualidad ponderando lo material como medio para alcanzar el bienestar”, agregó Espinosa de los Monteros

Curada por Eder Castillo la instalación se compone de dos partes, un altar y un corazón con ramificaciones que circulan y contagian los distintos rincones del inmueble. La estructura de la pieza permite al público transitar por el interior y, desde sus entrañas, redescubrir este espacio construido en el siglo XVII bajo nuestras perspectivas y experiencias estéticas.

Así el espacio que desde 1684 fue utilizado para el culto católico, ahora se propone como el recinto para la adoración de los objetos de consumo. La instalación mide en sus partes más altas hasta ocho metros y de largo veinte metros, convirtiendo al templo en un espacio ideal para Inoculación.

O´Connell, arquitecto de profesión, estudió una maestría en artes visuales, disciplina a la que se dedica de tiempo completo desde 2005, ha realizado intervenciones que evidencian los asentamientos irregulares que irrumpen de manera violenta en la planeación estructural de las ciudades, mostrando la realidad social.

“El consumo de todo tipo de productos, servicios y recursos naturales que para algunos ha significado mejor calidad de vida también ha agudizado la desigualdad social y nos ha puesto en un futuro incierto a nivel medioambiental que amenaza con destruir los recursos naturales de nuestro planeta”, afirma O´Connell.

La muestra Inoculación estará abierta al público en el Ex Teresa Arte Actual de lunes a domingo de 10:00 a 18:00 horas, hasta el 2 de noviembre de 2008, se recomienda al público visitante, traer zapatos y ropa cómoda para poder subir y transitar dentro de esta monumental instalación.

*** Abierta de lunes a domingo de 10:00 a 18:00 horas, hasta el 2 de noviembre. Se recomienda al público traer zapatos y ropa cómoda para poder subir y transitar dentro de esta monumental instalación

Domingo 17 de Agosto de 2008
Notimex / Cronica / Cultura

En un ejercicio reflexivo sobre el consumo desmedido de las grandes ciudades, Antonio O’Connell inauguró su exposición Inoculación, instalación compuesta por tres monumentales y abstractas piezas creadas a partir de materiales de desecho y en proceso de degradación.
Abierta al público de forma gratuita en el Ex Teresa Arte Actual hasta el 2 de noviembre próximo, bajo la curaduría de Eder Castillo, la obra plástica refleja el entorno del hombre actual alterado por los excesos de la modernidad, donde la arquitectura parece ocultar y disfrazar la infección social detrás de un supuesto ideal de progreso.
Materiales con estrecho apego al proceso de construcción como la cimbra y la tarima, así como sillas de plástico, carritos de supermercado, lockers personales, piezas chatarra de autos viejos y teclados de computadora rodeados de partes de ordenadores obsoletos, entre otros, dan vida a cada una de las obras.
Caracterizado por realizar intervenciones directas a espacios arquitectónicos y públicos que proponen a la urbe como un organismo en constante mutación, O’Connell invita al espectador a la interpretación, tocar las estructuras, respirar el peculiar olor que emanan naturalmente los viejos objetos.
Así como a observar desde todos los puntos posibles, iluminados por la luz tenue y discreta de pequeños reflectores, y con la ayuda de pequeñas escaleras de madera que llevan a transitar hasta llegar al punto más alto de algunas de las obras, por los rincones de lo que podría ser considerado una nueva propuesta del arte actual.
Un trío de piezas que reflejan los restos del consumo masivo de bienes y la adoración a lo material, características aparentes del hombre post-industrial

Antonio O´Connell (Ciudad de México, 1974) arquitecto y maestro en artes visuales. Su trabajo artístico se ha caracterizado por la intervención directa a espacios arquitectónicos y públicos, que proponen a la urbe como un organismo en constante mutación. En Inoculación, O´Connell plantea la gestación de un virus, escultura habitable, que integra dentro del espacio de Ex Teresa Arte Actual los restos del consumo masivo y la adoración a lo material.

Ex Teresa Arte Actual agradece a :
Canal 22 , UDC, El País y Balance (iluminación)




Ex Teresa Arte Actual
Licenciado Verdad 8 Centro Histórico
A un costado de Palacio Nacional
por Moneda, Metro Zócalo
Abieto de lunes a domingo
de 10:00 a 18:00 horas
Entrada Gratuita
5522 2721 y 5522 9093
xteresa_arteactual@yahoo.com.mx
http://www.exteresaarteactual.blogspot.com/

INOCULACION

Antonio O´Connell (Ciudad de México, 1974) es arquitecto y maestro en artes visuales. Su trabajo artístico se ha caracterizado por la intervención directa a espacios arquitectónicos y públicos, que proponen a la urbe como un organismo en constante mutación.
En los últimos años ha desarrollado una serie de proyectos en donde la sustancia de sus monumentales intervenciones se compone por madera y otros materiales, tanto de desecho como otros en proceso de degradación, la gran parte de ellos con estrecho apego a la construcción como la cimbra y la tarima que funcionan como cascarones de incubación. Estas complejas estructuras arquitectónicas son articuladas como un organismo o virus, que infecta en el espacio interior y exterior de la estructura huésped una compleja forma orgánica que nos da la impresión de estar viva; de estas células o edificaciones se proyectan intervenciones que conforman una reflexión personal del artista entorno a la gran urbe, en el consumo desmedido de las grandes ciudades donde este mismo entorno se ve alterado por los excesos de modernidad (grandes edificios, grandes anuncios, grandes progresos, grandes contrastes) donde la arquitectura parece ocultar o maquillar la infección social detrás de nuestros ideales de progreso.
En Inoculación, O´connell plantea la gestación del virus, ahora, como una infección del alma, donde los objetos acumulados se presentan como falsos ídolos y el hombre se sitúa a la altura de Dios; una escultura habitable u organismo huésped que integra al espacio de Ex Teresa Arte Actual los restos del consumo masivo de bienes y la adoración a lo material.
Un altar y su centro de inoculación, Una estructura compleja conformada por dos cuerpos que se desprenden a lo largo del ex convento como parte de este ejercicio reflexivo dentro del espacio arquitectónico y sacro del museo; ahora, una yuxtaposición entre el vacio inoculado del museo, el espacio de contención del arte, y el antiguo templo, el espacio de contención espiritual.

"Pues habiendo conocido a Dios, no le glorificaron como a Dios,
ni le dieron gracias, sino que se envanecieron en sus razonamientos,
y su necio corazón fue entenebrecido. Profesando ser sabios, se hicieron necios"
Romanos 1:21-22


Eder Castillo



Inoculation
Antonio O´Connell

Antonio O´Connell (Mexico City, 1974) is an architect and holds a Visual Arts Master’s Degree. His artistic works has been known by the direct intervention of public architectonic spaces that propose the big city as a constant mutating organism.
In recent years, he has been developing projects where the substance of his monumental interventions is composed by wood and other materials, such as junk or other organic things in a degradation process, that work as an enormus incubation space. These complex architectonic structures arquitectónicas are articulated and an organism or a virus that infects the interior and exterior host structure, a complex organism form that gives us the impression of being alive; from these cells or buildings, interventions are projected and conform a personal reflection by the artist around the big city environment, in the unmeasured consumism, these big cities where this same environment is altered by the modernity excesses (big cities, big advertising boards, great progress, great contrasts) where the architecture seems to hide the social infection behind our progress ideals.
In Inoculation, O´Connell brings us a virus “birth”, now, as a soul infection, where all those collected objects are presented as phony idols and Man is held at God’s height; a livealy sculpture or host organism that integrates Ex Teresa Arte Actual massive consumism remains of assorted goods and the worships of materials.
An altar and its inoculation centre, a complex structure comformed by two detaching bodies all the former convent long as part of this reflexive exercise inside an architectonic and sacred museum space; now, a juxtaposition between the inoculated museum space, the art containing space, the ancient temple and the spiritual contention space.

"Having known God, they didn’t glorified Him as such,
they didn’t even thanked Him, they made their reasons vain,
and their stubborn heart was darkened. Preaching about being wise, they became stubborn"
Romans 1:21-22

Dora Luz Haw
Agencia Reforma

fotografia: Ernesto Muñiz

MÉXICO, DF , 13-Ago .- Impacta y sobrecoge. Enfrentarse a un organismo de más de 8 metros de altura construido con sillas, teclados de computadora, autopartes, cimbra y carritos de supermercado, puede ser una experiencia divertida, artística o espiritual.

Esta pieza monumental y compleja se extiende al interior de un templo teresiano, símbolo de la espiritualidad, como un virus implacable que contamina desde su nave principal hasta sus capillas, oficinas, e incluso sus baños.

Inoculación es el nombre de la obra construida ex profeso para Ex Teresa Arte Actual, con la que el artista Antonio O'Connell hace una metáfora sobre el consumo, al considerarlo una especie de infección del alma que agota la espiritualidad de los hombres y los conduce a su autodestrucción.

Tras concebir esta creación durante un año, disciplinadamente dedicó un mes completo, con apoyo de 10 personas, a construir esta instalación que, como describe el curador Eder Castillo, es una sola pieza dividida en dos: un altar principal y un corazón inoculado que se ubica al centro del templo y se extiende por sus diversas áreas.

"¿Cómo podemos detener ese consumo desmedido que se convierte en un daño irreversible al medio ambiente? Es muy difícil porque nacemos dentro de un sistema en el que desde pequeños somos inoculados para vivir de esta forma", señala.

Invitado por Carlos Jaurena, director de Ex Teresa, O'Connell inoculó este templo de origen cristiano caracterizado por la austeridad del ex monasterio de la orden de las Carmelitas Descalzas, y colocó en su centro una instalación "maximalista", caótica y apocalíptica, que representa un corazón.

"En la Biblia el corazón hace referencia a él como el órgano en el que sentimos y donde está el ser. Los visitantes pueden escalarlo. Es como si ascendieran a un baldaquino, para quien llegue a la cima sienta esa autoridad. Sin embargo, su gran dimensión permite reconocer lo pequeño que somos", dice.

También se puede ascender al ático del retablo construido por O'Connell y sentarse al centro en una silla hecha con envases de Coca-Cola y rodeada de piezas de computadoras, para convertirse, por un momento, en Dios.

"Apartarnos de Dios, ignorarlo como autoridad, nos ha hecho soberbios. Esta pieza, que es sumamente autobiográfica, es un llamado a reflexionar sobre dónde ha quedado Dios en nuestras vidas", insiste.

El artista se basa en la teoría de la inoculación, propuesta del psicólogo social William J. McGuire, que dice que cuando una persona se enfrenta a un material debilitado que amenaza sus ideas o actitudes, en realidad las fortalece.

Hace una analogía con las vacunas. Piensa que es como introducir una pequeña porción del virus para generar anticuerpos a fin de que cuando el ser sea atacado por el virus, se active el sistema inmunológico.

O'Connell piensa que la publicidad induce o educa a la gente a vivir de cierta forma e inserta a las personas en una carrera por alcanzar un estatus social a través de las posesiones materiales.

"Con esta pieza quiero reflexionar sobre cómo nos hemos alejado de lo espiritual para enraizarnos en lo material. El triunfo de la razón en la modernidad hizo que matáramos a Dios y nos hemos creado nuestros propios Dioses, como son los deportistas, artistas, políticos. Somos nuestros ídolos", señala.

Usar materiales de reciclaje no resulta nuevo en el arte contemporáneo, sin embargo, el creador retomó no sólo elementos de consumo, sino sus contenedores, como son los carros de supermercado o las tarimas.

Estas piezas, que se unieron a través de clavos, tornillos y soldadura, con base en una estructura de acero y madera, fueron obtenidas en diversos depósitos en Iztapalapa y Nezahualcóyotl, así como en bodegas del Instituto Nacional de Bellas Artes.

Aunque generalmente crea sus obras con base en bocetos y maquetas, en este caso la complejidad del sitio y la oferta de materiales lo obligaron a realizar una especie de "arquitectura emocional", donde el trazo lo hizo en el espacio

México, 8 Agosto (Notimex).- La muestra "Inoculación", de Antonio O`Connell, que propone la invasión de un virus dentro del espacio arquitectónico de Ex Teresa Arte Actual, mediante una gran estructura que recorre el altar de la nave principal, la capilla de las ánimas y circula por las oficinas y vestíbulos, será inaugurada el 15 de este mes.

La instalación monumental alude al consumo masivo con la utilización de materiales, como autopartes, carritos de supermercado, sillones, mesas, exhibidores de tiendas departamentales, tarimas, monitores y tableros de computadoras, entre otros materiales.

El joven artista propone la pieza como la metáfora de un virus, cuya única función es sobrevivir dentro de otro cuerpo, casi siempre para hacerle daño.

La instalación que mide en sus partes más altas hasta ocho metros y de largo 20 metros, se compone de un altar y un corazón que tiene un cuerpo o extensiones que circulan por los espacios del museo.

El público podrá subir en algunas secciones e incluso transitar dentro de la pieza. "Los visitantes encontrarán una perspectiva diferente del espacio arquitectónico del extemplo y desde las alturas una experiencia estética y espiritual" apuntó Eder Castillo, curador de la muestra.

La realización ex profeso de esta pieza permitió a O'Connell utilizar la construcción arquitectónica, un templo del siglo XVII como contenedor ideal para "Inoculación".

Así, el espacio, que desde 1684 fue utilizado para el culto católico, ahora se propone como el recinto, para la adoración de los objetos de consumo, en una sociedad que ha sustituido lo espiritual por lo material, como vía para alcanzar la felicidad.

O`Connell, arquitecto de profesión, estudió una maestría en artes visuales, disciplina a la que se dicada de tiempo completo desde 2005, ha realizado intervenciones que evidencian los asentamientos irregulares que irrumpen de manera violenta en la planeación estructural de las ciudades, mostrando la realidad social.

En su trabajo artístico ha utilizado materiales que muchos considerarían deleznables, material reciclado como madera, lonas, metal. Por primera vez, O`Connell utiliza objetos utilitarios. (sillas, mesas, carritos de supermercado, exhibidores de ropa, etc.)

La sólida estructura se trabajó durante un mes y medio por seis trabajadores incluyendo al artista, que clavaron y soldaron firmemente cada una de los objetos que componen la pieza, creando una sensación de movimiento.

Es inevitable tener la sensación de que este virus se está expandiendo y creciendo de una forma incontrolable. Gracias al acomodo de sus partes, este organismo parece vivo.

"El consumo de todo tipo de productos, servicios y recursos naturales que para algunos ha significado mejor calidad de vida, también ha agudizado la desigualdad social y nos ha puesto en un futuro incierto a nivel medioambiental que amenaza con destruir los recursos naturales de nuestro planeta", afirmó O`Connell

La muestra estará abierta al público de lunes a domingo hasta el 2 de noviembre del 2008; se recomienda al público visitante, llevar r zapatos y ropa cómoda para poder subir y transitar dentro de esta monumental instalación.

O`Connell nació en 1974. Es arquitecto por La Universidad Marista 1999 y Maestro en Artes Visuales, por la Academia de San Carlos UNAM 2003

el economista / Juan Manuel Badillo
http://laplaza.economista.com.mx/plaza2005.nsf/(all)/883B60F871543CCA8625742F000155F6?OpenDocument

Estacionarte, con sus cuatro contenedores de barco cargados de arte contemporáneo y una caravana de 50 artistas, llegará al Centro Cultural Universitario de Tlatelolco (CCUT).
Desde hace dos años un camión cargado de arte contemporáneo viaja por la ciudad de México, el proyecto se llama Estacionarte y es una especie de caravana de artistas.
La idea, dijo Sergio Nates, artista y el organizador del proyecto, "es sacar el arte a las calles".
"La gente está ávida de ver arte, si no ¿por qué se forma hasta seis horas para ver el Museo Nómada de Gregory Colbert (en el Zócalo)?", dijo el artista.
Además, agregó Nates, "mientras más espacios tenga el artista mejor, es más sano".
Este año Estacionarte, que se realiza del 23 al 27 de abril, está dedicada a las "apropiaciones urbanas".
Los cuatro contenedores de arte contemporáneo y los 50 artistas que participan en el proyecto (el doble que el año pasado) se instalarán en la explanada del centro cultural de la Universidad Nacional Autónoma de México y dos pisos del edificio que alguna vez fue de la Secretaría de Relaciones Exteriores.
Estacionarte es un proyecto independiente, organizado a través de la fundación civil Arte Itinerante AC, y patrocinado, principalmente, por Fundación Jumex, de Eugenio López, dueños de la más importante colección de arte contemporáneo en México.
Este año Estacionarse cuenta con una intervención sonora de Sergio Ibáñez, Eduardo Meléndez y Juan Pablo Avendaño, el performance del Ensamble Rosas-Govaerts, y una larga lista de artistas como Antonia Fritche, Blanca Dorantes, Carlos de la O, Chris Gillespie, Daniel Lara, Daniel Laskarin, el colectivo LAA Curaduría de Pausa, entre otros.
Se exhibirá video, instalación sonora, performance, entre otras obras y formatos.
En los pisos 19 y 20 del Centro Cultural Universitario de Tlatelolco, el día 24 de abril a las 7 de la tarde, se llevará a cabo la mesa redonda Apropiaciones urbanas, con la participación de los artistas Eder Castillo, Arturo Ortiz, Peter Krieger, Lauro López y José Luis Barrios.
Estacionarte integrará el Memorial el 68, que se exhibe en el CCUT desde principios del año, como parte de sus actividades.
Estacionarte "no tiene fines de lucro, nadie gana nada". Pero aclaró: "si el artista vende algo es por su cuenta, está bien que los artistas se auto represente".
Sergio Nates sueña con un arte que sea libre, que salga de los museos, de las galerías y de los mercados de arte, como Méxio Arte Contemporáneo (MACO).
El artista aspira a que el arte pueda ser visto por la gente que no va a los museos.
Nates sueña también con poder viajar "a dos o tres lugares al interior del país", y que en el futuro, no muy lejano, cuenten con el suficiente apoyo "y que no estemos preocupados por saber si lo vamos a poder hacer el año siguiente o no", dijo.
jbadillo@eleconomista.com.mx

(apro).- http://www.proceso.com.mx/columna.html?col=7&nta=58337&ncol=Artes+Visuales+Hoy

El Centro Cultural Ex Teresa Arte Actual ubicado en el corazón del Centro Histórico, sigue presentando desde hace ya varios años propuestas de arte alternativo, performance, instalaciones, videoarte, entre otras. Actualmente presenta el proyecto “Se permuta”, en el cual se exhibirán más de 130 videos de artistas de América Latina, Canadá, Estados Unidos, Europa y Asia.

La curaduría estuvo a cargo de Eder Castillo, en colaboración con Fernanda Mejía, Rene Hayashi y Miguel Rodríguez Sepúlveda.

La exhibición de estos videos se presenta a través de diferentes plataformas, que pueden ser desde un puesto ambulante, en el metro, dentro de un cohete simulador, en alguna ventana de un edificio del Centro Histórico, a través de la web por medio de YouTube, etcétera.

Son varias las iniciativas que conforman este proyecto “KO Video Festival”, que se presentó en Sudáfrica 2005, ha seleccionado 50 videos, resultado de los elegidos por el público durante el festival.

“DVD Proyect”, en Holanda, en su versión mexicana para esta muestra curada por Lucia Cavalchini y Rodrigo González.

“El Multinacional”, proyectará una selección de videos en el ventanal de la oficina del edificio en el piso 21. Se recomienda utilizar binoculares; “Video viral”, curada por Ricardo Velasco, selección por Internet, correo electrónico, blogs y otros sitios web.

“Diámetro” es un proyecto del Taller de Experimentación Gráfica dirigido por Luis Ricaurte en colaboración con los curadores Jaime Tamayo y María Calleguerrero, la galería se encuentra ubicada en el metro Pino Suárez; “Intervención /Oasis” es otra pieza que se presenta en un puesto ambulante de mercado en Tlanepantla; “Expo Cohete” en el cohete de feria en el parque de los Venados de la Ciudad de México.

“Se Permuta” estará abierta al público hasta el 28 de marzo del presente año se puede consultar las páginas www.exteresaarteactual.blogspot.com; www.ederbeat.buzznet.com o www.youtube.com/sepermuta.

Estacionarte 08: Apropiaciones Urbanas / Jayya Yedid

Hoy por hoy el arte juega un papel activo, fundamental, funge como un sensor de lo que atañe a la humanidad, sirve como radiografía de su sociedad para saber sus patologías, y como diagnóstico del mundo en que vivimos.

Estacionarte 08 lanza una convocatoria abierta a la comunidad artística en general, a participar de manera entusiasta en este proyecto, su intención es impulsar y promover la producción artística y el conocimiento de la misma. Se reciben propuestas de distintas voces, voces que reflexionan sobre su acontecer, que cuestionan, que denuncian, que digieren, que se apropian… el mundo que nos rodea.

De los artistas seleccionados tanto por convocatoria, como por invitación, se requiere un proyecto individual o colectivo con un planteamiento claro y propositivo a nivel conceptual, que consiga nuevas significaciones y discursos en la percepción, que accese a una dimensión estética poniendo de manifiesto los imaginarios culturales de la sociedad contemporánea.

Después de reunir dicha selección de artistas, se establece una temática que los abarca, esa que es representativa de nuestra contemporaneidad. Este año Estacionarte refiere a la ciudad y a las apropiaciones de lo urbano. Se trata de una muestra que comprende varias voces que hablan desde un lugar distinto, particular, pero representativo de la gran masa. Las propuestas varían en el tono, algunas tienden hacia la poética de los espacios, otras tienen un dejo de nostalgia y otras más recurren a un mimetismo neurótico de la ciudad.

El Centro Cultural Universitario Tlatelolco, funge como una pieza más de esta muestra, además de ser el contenedor de todas las voces, el que le da cabida a todas las manifestaciones artísticas y las articula, se establece como locus ideal en tanto su grandilocuencia y su ubicación geográfica.

Los espacios de la muestra al interior del edificio, están configurados a manera de traza de la ciudad, en donde estos confluyen con otros, unos más abiertos, otros más cerrados de manera laberíntica, representando de forma simbólica la ciudad que puede llegar a ser caótica.

Respecto a la muestra en los contenedores de barco, instalados en el patio central del complejo, estos se configuran de manera representativa como espacios-casa, en donde interviene la obra a manera de “mobiliario”. Espacios que generan un universo aparte, que se aísla del resto. Arriba el edificio –la vista de la ciudad a nivel macro- ajeno, abajo en los contenedores –la vista a nivel micro- íntimo.

El espectador buscará recorrer los espacios haciéndose parte del lugar, encontrándose con la obra a su paso en las diferentes áreas de la muestra. Se abre la puerta a un espacio privado, se invade y se convierte en público, los visitantes se reapropian del espacio una y otra vez. La intención del recorrido es revivir de manera más consciente la experiencia de la ciudad, al paso que uno camina, descubre, encuentra, y se introduce en un sin fin de relaciones.


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Proyecto Estacionarte 08

Apropiaciones Urbanas

Con base a las propuestas artísticas recibidas por convocatoria para Estacionarte 08, el tema de este año gira en torno al fenómeno urbano. Las líneas principales de trabajo de acuerdo a las propuestas seleccionadas son las siguientes:

1. El concepto de ruina contemporánea
Se cuestiona la construcción ideológica que erigió edificios públicos en la ciudad de México en los años sesenta. Esos edificios hoy son ruina y se releen como el fracaso de ese ambicioso programa político que duró setenta años. Existe un corte histórico, un corte de tajo, abrupto entre regímenes políticos. Se cuestiona lo que queda suspendido, el residuo de la transición.
Otra aproximación al tema de ruina, gira en torno a los objetos-ícono en extinción, dentro del Distrito Federal. Objetos descontinuados que siguen en nuestro bagaje de imágenes. Sus remanentes son abandonados, olvidados y en desuso.

2. Valores y bienes de consumo contemporáneos
Los deshechos materiales de la sociedad se proponen a la venta, cuestionando los valores de la sociedad enagenada-globalizada. Vemos una recuperación de la basura -objetos inútiles-, que adquieren un valor comercial al introducirlos a un determinado mercado. Existe una reflexión en torno a los objetos de consumo, los valores comerciales del capitalismo, ridiculizando la cultura de bienes y valores de la sociedad contemporánea.

3. Marginalidad, fractura e intersticio
Una reflexión sobre los elementos urbanos de las zonas de marginación de la zona metropolitana. Símbolos culturales de zonas de marginación como Ecatepec, Iztapalapa o Neza. Entorno urbano de violencia, miseria, contaminación y desesperanza. El folclor de la música grupera, la garnacha y la fayuca. Un dialogo entre centro y periferia, entre intersticio y límite.

4. Mitos Urbanos, anécdotas de ciudad
Obra que pone en entre dicho la realidad de la ficción. El rumor, como deformación del mensaje. Se cuestiona la veracidad de los relatos que circulan dentro de la sociedad. Crisis de lo verosímil vs. lo inverosímil.
El mundo actual de la comunicación y las apariencias que sustituyen a la realidad. La manipulación de los medios en la construcción del sentido de lo real a través de la apariencia y de la ficción.

5. Estructuras, paisajes-piezas urbanas
Idealización de las ciudades, utopías. Problematización de la arquitectura, en la conformación de espacios. Estructuras arquitectónicas albergadas por la memoria. Noción de arquitectura que no cumple su función si no es habitada.
Presencia y tiempo. La habitación exterior es al cuerpo humano lo que la habitación interior es al espíritu, la una no existe sin la otra. Arquitectura- cuerpo, correspondencia entre ambos.

6. Apropiación de espacios, ciudad permisiva
El anonimato como modelo de apropiación de espacios. La utilización de pseudónimos por parte de los artistas para intervenir el espacio de la muestra.
Corrientes urbanas de pensamiento: religión, ciencia oficial, historia oficial, ateísmo, pseudo creencias.


El Centro Cultural Universitario Tlatelolco (CCUT) a través de la Universidad Nacional Autónoma de México (UNAM), se reapropia de un complejo arquitectónico emblemático qué ocupara desde sus inicios la Secretaría de Relaciones Exteriores (SRE). En meses recientes, después de quedar en el abandono por varios años, se recuperan las instalaciones con el propósito de crear un espacio cultural que anime y enriquezca a través de diversos proyectos culturales, la vida comunitaria de la capital del país. Hoy por hoy se replantea la reutilización de elementos urbanos que figuran como parte importante de la historia de la ciudad, abriendo espacios a la expresión y apropiación, antes inimaginable de espacios destinados a usos ajenos ala expresión urbana.

Tlatelolco como sede de Estacionarte 08, se retoma como parte del discurso curatorial revalorándolo por sus aspectos históricos. El Movimiento Estudiantil de 1968 jugó un papel activo en la construcción democrática de la nación y su decisiva influencia en los cambios de mentalidad que se dieron en diferentes ámbitos de la sociedad mexicana a partir del último tercio del siglo XX. Este movimiento se ha convertido en expresión colectiva y en emblema del sentimiento de ruptura por casi cuatro décadas. El complejo forma parte del imaginario creador de los artistas de distintas disciplinas y es un punto de partida para los nuevos cuestionamientos sobre la ciudad.

listo!, el sitio oficial de

www.jardinesflotantes.org


the project consists of a virtual architectural reinvention of three specific and qualitatively different points within Mexico City


a digital, interactive representation of a floating garden, by way of a 3D program projected in real time via web. Users meet in this cyberspace “garden” via a chat programmed and designed to for the express purpose of being inhabited.


visitors access the website from the different connection points; one, the lobby of the WTC building, the other in the East side Prison, and the third in a museum. Users are represented by virtual characters which interact with each other, navigating this real/virtual world. The graphics are drafted is such a way that the user/spectator in the WTC, museum and prison use 3D glasses and become three-dimensional, through the use of stereoscopic images

CURADOR

Eder Castillo